Un pensiero su Secretary di Steven Shainberg (2002)

Secretary (2002) è quella punta di diamante nel panorama dei film erotici e romantici. Steven Shainberg è stato il regista di questo favoloso film (che è anche il suo più famoso) ma ha anche girato il drammatico "Fur-Un" (2006) e "Rupture" (2006). Il comparto musicale della pellicola è stato affidato ad un sempre magistrale Angelo Badalamenti conosciuto anche per il suo contributo all'intera serie di Twin Peaks.Il film infine è liberamente ispirata al racconto breve presente nella raccolta "Cattiva Condotta" di Mary Gaitskill.

La storia parla di Lee Holloway, ragazza appena uscita da una clinica psichiatrica a causa dell'autolesionismo. Tornata a casa, si rende conto che il mondo intorno a lei continua a farle male, in particolar modo il contesto familiare in cui è costretta a vivere, così rientra ancora una volta nella spirale di dolore dal quale credeva di essere uscita. Al matrimonio di sua sorella. incontra un vecchio compagno di classe che diventerà il suo fidanzato. Nel frattempo, volendo dare una svolta positiva alla sua vita, segue corsi di dattilografia superandoli brillantemente. Una sera mentre getta i suoi arnesi utilizzati per infliggersi del male, si imbatte in un foglio di giornale con degli annunci di lavoro.Decide così di fare un colloquio di lavoro come segretaria presso l'avvocato Edward Gray.L'incontro con l'avvocato si rivelerà decisivo nel cambiamento radicale della ragazza ma il resto lo lascerò scoprire a voi.


Quello che è il tema centrale della pellicola è la doppia vita che i protagonisti vivono per sopprimere il proprio Io. Non è facile coglierne le sfumature poiché, sin da subito, il nostro regista nasconde allo spettatore meno attento quello che vuole realmente comunicare. Superficialmente quindi il film potrebbe risultare un semplice omaggio al mondo BSDM e sulle sue problematiche ma, se esplorato a fondo, è in realtà un inno all'onestà e libertà in primo luogo con sé stessi.

La bellissima ma trascurata Lee, sopprime col dolore fisico la sofferenza causatogli della totale incuranza affettiva ed emotiva dei suoi genitori che, con i loro problemi, non fanno altro che mettere un peso sulle spalle alla ragazza. Gray invece sopprime col suo mestiere da avvocato, il sentirsi sminuito come uomo da una ex moglie prevaricante e ingombrante. Questo è dunque il filo conduttore fra i due, vittime di contesti opprimenti ma entrambi, tra un gioco erotico e l'altro, riescono a trovare la loro dimensione dove sono perfettamente bilanciati nelle loro fragilità. Quello che accade a Lee è una fioritura dell'anima. Lei è stata condotta nel suo centro grazie in primo luogo dall'oratoria di Gray successivamente alle pratiche fatte in comune. Le ha donato lo sguardo giusto su come non essere più vittima impassibile degli eventi tramutando il suo senso di volontà personale e un ritorno al proprio stato femminile(simboleggiato nel film dall'Orchidea).Adesso è lei a decidere consapevolmente come e quando fermarsi o subire dolore, le ha donato una follia controllata. La ragazza ha dimostrato a Gray quanto può essere importante non vergognarsi di ciò che si è e quindi a questo punto è riuscito a svelare sé stesso nell'atto del fare piuttosto che del dire. Perciò avendovi illustrato la natura dei protagonisti, potete ben capire che le scene BSDM sono soltanto un'espediente per farvi comprendere fino in fondo quanto i due si siano potuti salvare soltanto potendosi aprire nel modo migliore che conoscono, in un turbine che risiede in una linea sottile tra piacere e dolore controllato.

In conclusione, se cercate una pellicola sincera sul rapporto tra uomo e donna e su quanto possa essere importante e piena di responsabilità la vita di coppia - a volte non priva di follia- questa pellicola fa per voi. Se invece cercate un film copia della trilogia delle 50 sfumature - che ricordo è uscito successivamente - non riuscirete a cogliere - e di conseguenza apprezzare a pieno - la delicatezza delle note contenute e per niente volgari delle avances che la coppia si scambia durante la durata della pellicola. Se siete femministe incallite tacete o andate oltre, meglio ancora buttate via l'ipocrisia velenosa che contraddistingue questi tempi perché vi trovate di fronte ad una pellicola di una dolcezza ed onestà disarmante, dissacrando quello che sono i vostri preconcetti su cosa dovrebbe essere una relazione a due, ed a questo punto vi lascerei con una frase che pronuncia il terapeuta di Lee:
"A CHI SPETTA DIRE CHE L'AMORE DEBBA ESSERE MORBIDO O GENTILE?"

Recensione scritta dalla collaboratrice Giorgia Pacifico

Un pensiero su Train to Busan di Yeon Sang-Ho (2016)

Il mondo del cinema è pieno film sugli zombi o sugli infetti. Sono talmente tanti che è difficile pure ad oggi quantificarli. Molti sono sono semplici film di genere che tramite lo splatter offrono un mero divertimento al pubblico, altri ancora - come ad esempio le opere di Romero - sfruttano quest'ultimo per mandare un messaggio socio politico allo spettatore. Il secondo caso riguarda Train to Busan, opera di Yeon Sang-ho uscito nei cinema coreani nel 2016.

Seok-woo è un consulente finanziario da poco separato che sembra, a causa del lavoro, avere poco tempo da dedicare alla piccola figlia, Soo-an. Un giorno la bambina esprime il desiderio che, per il proprio compleanno, possa andare a trovare la madre a Busan. Il padre, riluttante all'idea di far andare la piccola da sola, decide di accompagnarla. Una volta sul treno - un'epidemia che trasforma le persone in pericolosi infetti raggiunge il suo culmine ed i due - insieme ad altri sconosciuti, si troveranno a sopravvivere per arrivare sani e salvi a Busan, unica città che sembra essere al riparo da tale minaccia.

Prima di proseguire ricordo che questa è un'analisi di punti chiave della trama e che quindi anticipano eventi importanti. Prima di leggere questo articolo, sarebbe bene visionare prima la pellicola.

Train to Busan è un film che, come accennato nell'introduzione, sfrutta il genere per raccontare in realtà una storia ben più profonda e nasconde delle chicche interessanti. Prima di essere infatti una storia sugli infetti è una storia sulla natura e sulle relazioni umane.Non importa che vi siano eventi catastrofici o altro, anche gli eventi quotidiani possono destabilizzare la nostra normalità E' bene quindi tenere a mente che è proprio durante quest'ultima che dovremmo goderci un po' più le cose. Evitiamo una litigata senza senso, stiamo insieme alle persone a cui vogliamo bene ma soprattutto cerchiamo sempre di fare la scelta giusta quando ci si presenta l'occasione. Questo è quello che Train to Busan cerca di trasmettere ed è quello che, presi dal turbinio dalla vita moderna, non ci rendiamo conto. La pellicola in questo caso è realista, non da per scontato nulla né cerca il pessimismo ad ogni costo quanto cerca di sottolineare quanto l'altruismo è la chiave per una vita davvero degna di essere vissuta. L'esempio più eclatante è il magnate che sacrifica letteralmente tutti durante il suo percorso alla ricerca di una salvezza per poi morire in solitudine ed ucciso da colui che, durante l'avventura, ha compreso che l'altruismo permette di vivere in maniera profonda ed armoniosa. Quando quest'ultimo ci lascia - ricordandoci che essere buoni non è né una debolezza né purtroppo uno scudo invincibile- riesce però a farlo con l'immagine della figlia impressa negli occhi. Ecco quindi nascere la dicotomia fra i due personaggi necessaria a capire che non è importante sopravvivere a tutti i costi, quanto vivere avendo una buona morale e allora persino la morte non farà più paura anzi. Dimenticatevi inutili jump scare o momenti splatter, qui gli infetti fungono da catalizzatore per mettere la natura dei personaggi in mostra e, come avete potuto leggere, centra in pieno il bersaglio. Tornando a parlare del protagonista, possiamo interpretare il suo viaggio verso Busan come un percorso di redenzione e comprensione. E' molto triste vedere nei primi minuti un padre che non riesce a dialogare con la figlia né a comprenderne le esigenze ma soprattutto vivere una vita moralmente più accettabile. Il suo mestiere infatti - ricordandoci che è un consulente azionario - è quello di speculare sulle perdite altrui e di calpestare il più debole. Nella seconda scena del film lo vediamo vendere titolo azionari che potrebbero destabilizzare il mercato ma lui, incurante delle possibile conseguenze, prosegue nella vendita. Interessante notare come un suo sottoposto ad un punto del film si colpevolizza in quanto quei titoli potrebbero aver scatenato - anche se non direttamente - l'epidemia. Ecco un altro prezioso parallelismo che si palesa davanti a noi. Possiamo trovare un'analogia fra gli infetti e la classe più povera della Corea del Sud? Sì, forse Busan parla anche di questo, parla della classe dominante che, presa dai suoi affari, schiaccia il più debole fregandosene altamente di cosa potrebbe provare quest'ultima. Viviamo in un mondo estremamente capitalista che sembra andare sempre di più verso una direzione consumistica estrema. Tutto ha un prezzo ed in questo caso, persino la vita delle persone. Possiamo quindi sentire un sapore romeriano se analizziamo così l'opera. Ricordiamoci ancora le azioni del magnate. Il suo continuo e -non per niente casuale- "spingere" le persone verso gli infetti per salvarsi non è altro che spingere la classe più povera verso la rabbia della moltitudine. Lui si salva ingannando e indirizzando le persone verso la strada più pericolosa. Il suo egoismo è al limite del disgusto e la sua morte però è quanto di più tragica possa capitare. E' vero, vorremmo per soddisfare il nostro senso di giustizia, vedere quest'uomo fatto a pezzi ma quando si presenta davanti al protagonista infetto, in cerca d'aiuto e disperato per tornare dalla madre, non possiamo che provare una breve compassione. Anche le persone più disgustose hanno un'anima e questo la pellicola ci tiene a ricordarcelo. Un altro tema che ha a cuore il film è il tempo e come erroneamente molte volte lo sprechiamo rimandando. Il giovane giocatore di baseball è quasi infastidito dalla ragazza cheerleader che gli va dietro ma, durante gli eventi della pellicola comprende l'importanza che ha la ragazza nella sua vita. Il loro destino mette tristezza ma serve a ricordarci che la quantità di tempo non la decidiamo noi ed è bene quindi - ovviamente senza furia né azzardi - cogliere le occasioni che si presentano a noi. Alla fine chi sopravvive a questa tragedia? Una bambina ed una donna incinta. Non voglio premere troppo sui parallelismi rischiando di forzare un significato ma forse non sono stati scelti a caso. La speranza di un mondo migliore è in mano alla generazione che verrà perché la precedente ha dimostrato di non aver capito l'importanza del bene nel mondo. Ecco che quindi passiamo alla semplice canzone cantata dalla bambina nel finale che funge come ancora di salvezza per le due che altrimenti sarebbero rimaste uccise sotto i colpi dei militari.

Compreso che la chiave di lettura per il film è questa, passiamo al lato tecnico, forse quello di minore importanza di fronte ad una trama cosi potente ed impattante. Il regista dimostra durante tutta la pellicola di avere in mano la situazione anche durante le fasi più concitate. L'azione viene sempre seguita bene e, tenendo conto che gli attori recitano in uno spazio veramente contenuto, non era per niente facile. La macchina da presa sa indugiare sugli infetti specialmente quando quest'ultimi si muovono per attaccare e raramente quando sono fermi a non fare nulla per consegnarci una caratterizzazione di quest'ultimi veramente letale, aggressiva e rapida. Ci sono sequenze che ricorrono alla CGI e purtroppo qui notiamo che non è proprio di qualità eccellente ma, considerando tutti gli altri aspetti positivi, la considero una cosa da poco. Concludo citando l'ottimo montaggio che garantisce la film un ritmo davvero incredibile.

Gli attori dal canto loro riescono ad essere sempre convincenti, i loro personaggi sono ben delineati e non sono mai scontati. Nonostante il messaggio del film sia l'altruismo, questo non viene mai veicolato dai personaggi in maniera stucchevole risultando invece credibili ed affascinanti.

Train to Busan è un film che incoraggia la buona azione, la cooperazione fra essere umano ed alla lotta contro tutto ciò che è sbagliato e lo fa utilizzando come mezzo un "semplice" film sugli infetti. Un'ottima regia ed un cast convincente riescono ad elevare quest'opera ad alti livelli e senza ombra di dubbio questo film entra di diritto fra i migliori film sugli infetti degli ultimi anni.

Un Pensiero su I'm a Cyborg, but that's ok di Park Chan-Wook (2006)

Il mondo di Park Chan.Wook è un mondo strano, grottesco e dalla violenza sconcertante. La sua trilogia della vendetta incarna perfettamente tutti questi aggettivi consegnandoci film dal sapore dolce amaro. Ad una prima impressione fa quindi un po' strano vedere Park Chan-Wook alle prese con una commedia romantica come I'm a Cyborg, but that's ok (I'm a Cyborg d'ora in avanti) in quanto il regista sembra allontanarsi dalla sua confort zone per consegnarci un'opera dai tratti diversi. In realtà, I'm a Cyborg è Park Chan-Wook al 100% sotto mentite spoglie.

Young-goon è una giovane ragazza che è cresciuta insieme alla nonna. Il rapporto fra i due è molto forte tanto che la ragazza soffrirà molto il giorno in cui la nonna, a causa della sua schizofrenia, verrà portata in un istituto mentale. Negli anni successivi la ragazza, mentre si trova sul posto di lavoro, si taglia le vene e vi infila dei cavi elettrici perché convinta di essere un cyborg. In realtà, questa convinzione è antecedente all'incidente ma di questo ne parlerà il film successivamente. Purtroppo però questo suo gesto la porta a finire a sua volta in un istituto mentale dove farà la conoscenza di Park Il-Soon, un cleptomane sociopatico che ha la paura di svanire. I due iniziano a instaurare un rapporto atipico che li porterà a vivere situazioni paradossali.

I'm a Cyborg si presenta apparentemente quindi come una commedia romantica leggera ma, come citato già all'inizio, in realtà questa è una maschera che il regista abilmente riesce a mettere al film. Durante infatti la prima parte l'opera si mostra diversa rispetto ai primi minuti. Incominciano a far capolino le riflessioni, i problemi esistenziali ed una forte dose di violenza. Sì, perché durante le sue allucinazioni, la protagonista immagina di fare stragi di dottori nell'istituto in quanto ritenuti da lei colpevoli di aver preso sua nonna. Ecco che dunque emerge, anche se sotto mentite spoglie, la violenza che caratterizza il regista. Vi saranno infatti momenti di puro esistenzialismo dove la protagonista si interrogherà sul suo scopo nella vita e successivamente come realizzarlo. Nel mentre il rapporto con Park Il-Soon si solidifica fino al momento in cui quest'ultimo aiuterà la ragazza a riprendere a mangiare in un modo assolutamente originale che non voglio svelare.

I'm a Cyborg riesce anche ad alternare momenti di ilarità come ad esempio le risse per futili motivi fra i pazienti a dolori ricordi che la protagonista ha della nonna. Perché se è vero che il film non dice in maniera esplicita cosa possa aver causato questa patologia nella ragazza è altresì vero che lo sussurra allo spettatore con scene molto ricercate. Prendiamo ad esempio le regole del perfetto cyborg che Young-goon segue; non avere compassione, non emozionarsi e non fantasticare sono solo alcune delle imposizioni che la protagonista fa su sé stessa. Queste regole non sono altro che il frutto di un adolescenza purtroppo malsana, vissuta in un ambiente dove non vi era una d'espressione. La madre sempre molto lontana dalla figlia - a causa dell'attività che possedeva - spingeva la figlia a non dire a nessuno che lei pensava di essere un cyborg. Ecco che quindi una normale fantasia da bambini, si trasforma in una nevrosi. Le regole citate poc'anzi sono infatti rappresentate nella sua mente con un libro di illustrazioni per bambini segno che il trauma è avvenuto in quel periodo. Risolutivo sarà la confessione che la ragazza farà alla dottoressa verso la fine del film. Per il medico infatti non c'era nessun problema ed aprirsi e, avere fiducia, è il primo passo verso la guarigione.

La guarigione che però intende questo film non è tanto la fine della nevrosi quanto accettare la natura di sé stessi - o di quello che pensiamo di essere - e di vivere nel bene e nel male la nostra vita. Il finale da questo punto di vista è quanto più di poetico Park Chan-Wook abbia scritto. Un arcobaleno appare dopo una tempesta e se con molta fantasia lo osserviamo bene ci ricorda un cavo elettrico che collega il cielo e la terra.

Alla fine del film rimarranno molte domande allo spettatore "i due ragazzi hanno trovato una felicità duratura?", "La protagonista riuscirà a "guarire"?" A noi però queste domande non ci dovrebbero interessare. Non importa aprire manuali di psicologia per comprendere che il messaggio del film è quello che in sordina viene ripetuto per tutta la pellicola "nel bene e nel male bisogna vivere".

Passando al lato tecnico cosa dire della regia di Park Chan-Wook? il regista come al solito dimostra di avere un occhio poetico incredibile, ogni scena non è mai fine a sé stessa ma comunica uno stato d'animo o veicola un messaggio da cogliere. Quando decide di zoomare, lo fa per accentuare la comicità di una situazione e quando decide di muovere a spalla la telecamera riesce sempre a stare dietro l'azione evitando di perdersi in inutili giri. La meravigliosa fotografia accentua la vena leggera ma importante dell'opera. Passiamo da dei toni accesi ma asettici come il rosso a dei delicati verdi veicolati da una grande scenografia. La messa in scena è ottima ed il montaggio, si prende i suoi tempi, rendendo il film lento ma godibile.

I'm a Cyborg è un film che tocca vette altissime. Temi come ad esempio la salute mentale e l'esistenzialismo umano sono trattati con il massimo rispetto e con quella vena ironica che non guasta mai per non appesantire l'argomento. Park Chan-Wook riesce ancora una volta a dare il meglio di sé con un'ottima regia dal sapore onirico e con una fotografia a dir poco fantastica. Una pellicola che consiglio di recuperare per riuscire ad apprezzare quanto di bello può fare il cinema. I'm a Cyborg fa star bene l'anima.

Un Pensiero su Ju-on di Takeshi Shimizu (2000)

L'horror giapponese si distingue principalmente da quello occidentale per le tematiche che affronta dagli elementi che possiede, unici nel suo genere. Quest'ultimo infatti attinge a piene mani alla mitologia del Sol Levante rappresentata da Yokai, scintoismo e sciamanesimo. Uno dei film più rappresentativi in questi tempi moderni è sicuramente Kwaidan di Masaki Kobayashi uscito nelle sale giapponesi nel 1964 oppure, se vogliamo prodotti più recenti, Ringu di Hideo Nakata  o Ju-On di Takashi Shimizu. Dato che di Ringu ho trattato ampiamente nelle settimane scorse, vorrei ora parlare di Ju-On e di come per me abbia contribuito a creare l'archetipo della casa infestata in salsa orientale.

Come già detto poco fa, Ju-On è stato girato da Takashi Shimizu. Uscito in Giappone nel 2000, il film è stato in grado di catturare l'immaginario collettivo giapponese ed a riscuotere un discreto successo tanto che la saga conta ad oggi numerosi remake e spin-of.

La storia di Ju-On è esplorata attraverso i punti di vista di sei personaggi che per motivi volontari o involontari si troveranno ad esplorare una casa maledetta dove sembra si sia consumata una violenta tragedia. Nella cultura giapponese infatti, chi muore in maniera violenta e rancorosa, finisce per non trapassare del tutto ma rimane ad infestare il luogo della sua dipartita per un tempo che a noi non è concesso sapere. Questo tipo di spettri vengono chiamati Onryo e sono spiriti vendicativi che uccidono indiscriminatamente i vivi. I protagonisti quindi si troveranno faccia a faccia con Kayako, uno di questi spettri, e suo figlio Toshio che sembra anche lui vittima di questo destino. Una storia quindi già dalle basi crudele e triste di cui è difficile pensare ad un epilogo felice. Man mano che scopriremo il destino riservato ai protagonisti, saremo anche testimoni di importanti retroscena circa l'origine della maledizione ma, per comprendere ciò, bisognerà fare molta attenzione dato che il film ha una linea temporale tutta sua. Fra un protagonista e l'altro potrebbero passare mesi oppure anni e, anche se apprezzo questo tipo di narrazione, devo dire che qui risulta un po' confusa. Escluso questo difetto reputo Ju-On un grande film di atmosfera. Se è vero che il montaggio è lento è altresì vero che possiede un'atmosfera unica nel suo genere. I movimenti di camera sono sempre ben dosati e creano la giusta tensione ma credo che il lavoro più grande lo faccia Takako Fuji, l'attrice che interpreta Kayako. Al tempo infatti oltre ad essere attrice e doppiatrice, era anche una ballerina ed una talentuosa contorsionista, qualità che gli ha permesso di rappresentare lo spettro in maniera inquietante. I suoi infatti sono movimenti fatti di scatti nervosi e pose innaturali. Vederla mentre scende le scale è quanto più di inquietante ma anche di affascinante che si possa osservare ed il trucco che possiede dona al tutto un aspetto caratteristico.

Ju-On è un film che ha dalla sua una grande atmosfera. La storia che racconta appassiona ma allo stesso tempo potrebbe rischiare di confondere lo spettatore più disattento. La performance di Takako Fuji (Kayako) è la caratteristica che però innalza la pellicola e senza ombra di dubbio ha contribuito ha creare nel corso del tempo la figura della donna maledetta che cerca vendetta nel mondo esterno.

Un pensiero su Ringu 0 di Norio Tsuruta (1999)

Un pensiero su Ringu 0 di Norio Tsuruta (1999)

La saga di Ringu ha sempre posto all'attenzione dello spettatore la misteriosa Sadako in modo sottile ed implicito. Molte opere orientali, a differenza di quelle occidentali, preferiscono infatti mediare messaggi e significati attraverso silenzi ed immagini che attingono al ricco folklore che l'oriente possiede.

Ringu non è mai stato spaventoso, splatter o disgustoso, al contrario ha sempre giocato con il mistero e la natura del non visibile. Alla fine infatti del primo capitolo della serie, molte sono le domande che rimangono senza risposta. Chi è Sadako? Da dove proviene? Perché ha deciso di incarnare una natura così vendicativa e distruttiva? Le risposte non sarebbero arrivate fino al capitolo di cui parlerò oggi, Ringu 0:Birthday.

Sadako durante una performance

La storia di Ringu 0 inizia circa trenta anni prima dagli  eventi accaduti nel primo Ringu. Sadako è una ragazza  che tenta di sfuggire ad un potere oscuro che ha dentro di lei e di cui non si sa dare nessuna spiegazione. Per fare ciò decide di trasferirsi a Tokyo ed unirsi ad una compagnia teatrale con cui spera di cominciare una vita per lo meno decente. Le cose sembrano andare bene fino a quando una persona proveniente dal suo passato non compare, mandando in frantumi il delicato equilibrio raggiunto.

Sadako sta per essere gettata nel pozzo

La regia di Tsuruta è pulita e quadrata, con una fotografia ed un montaggio molto buono. Il ritmo del film infatti, pur non essendo veloce, scorre bene. I movimenti di camera sono dolci e gentili e la macchina da presa si sposta sempre molto lentamente. Non ci sono virtuosismi sul fronte tecnico ma ci troviamo di fronte ad un regista che fa bene il suo lavoro.

Per quanto riguarda la recitazione, spicca senza ombra di dubbio Yukie Nakama che riesce a creare una Sadako convincente con cui gli spettatori proveranno presto empatia . In questo film infatti Sadako viene, per motivi che preferirei non esporre in questo articolo, umanizzata e le risposte alle domande che ho esposto poco fa trovano finalmente risposta. Rispondere a quest'ultime ha richiesto però di cambiare natura alla serie. Ringu 0 infatti prima di essere un horror, è un film drammatico, un thriller a tratti anche esistenziale. La fuga di Sadako da un passato doloroso, il suo perenne tentativo di controllare una forza che non capisce, le continue ingiurie a cui è sottoposta. Tutto ciò infonde alla pellicola una tristezza ed una profondità che quasi non ci si aspetta. Credo che compiere una scelta del genere sia stata importante per dare ulteriore spessore alla serie. Alla domanda "Questo passato così drammatico di Sadako non rischia di creare una dissonanza con i primi due film?" rispondo con un sicuro "no". Anzi, penso che rivederli dopo aver visionato questo capitolo, ce li faccia godere di più. 

Sadako viene infastidita con una fotocamera

Ringu 0 è un film che non può mancare agli amanti del thriller e del mistero. Gli estimatori di Ringu troveranno senza ombra di dubbio interessante questo tassello che compone il pittoresco mosaico dell'universo di Ringu. Una regia solida ed una storia straziante completano il tutto offrendo allo spettatore un'esperienza godibile. Se vi aspettate grandi spaventi o un semplice film horror, passate oltre perché qui si parla della natura dell'uomo, delle azioni di quest'ultimo e di altri temi che difficilmente possiamo incontrare nel cinema occidentale che mira allo spavento semplice. 

Un pensiero su Rasen (1998) di Joji Lida, il sequel perduto di Ringu

 Un pensiero su Rasen (1998) di Joji Lida, il sequel perduto di Ringu

Prima di parlare di Ringu 2 - seguito oramai ufficiale del primo capitolo - è bene parlare di Rasen in modo tale da dare al lettore un contesto chiarificatore di cui potrebbe necessitare se volesse recuperare la quadrilogia di Ringu.

Rasen inizialmente nasce come sequel diretto a Ringu, non a caso è stato girato e distribuito nelle sale nello stesso periodo dell'opera prima ma ha un problema. Nonostante attingesse all'opera di Koji Suzuki, si rivelò un completo fiasco e questo portò la produzione a preparare in fretta e furia un altro secondo capitolo. I motivi di tale insuccesso sono molti e cercherò di evidenziarli in maniera chiara nell'articolo ma prima, un breve incipit della trama.

Dopo gli eventi accaduti nel primo film, il corpo del professore Ryuji Takayama viene sottoposto ad una autopsia da uno dei suoi amici, il patologo Mitsuo Ando il quale scopre un messaggio cifrato all'interno del suo stomaco. Reiko, la moglie del professore e suo figlio Yoichi risultano invece vittima di un incidente stradale misterioso. Poco tempo dopo il patologo viene a scoprire della maledizione della cassetta e, spinto da curiosità, decide di visionarne una copia. 

La regia di Rasen, pur essendo basilare come quella di Hideo Nakata, non riesce comunque a veicolare nessun tipo di messaggio. Non vi è nessuna finezza tecnica né costruzione quadrata; Alla fine del film dubiterete persino di aver visto un horror o un thriller dato che i due generi non sono minimamente presenti nella pellicola. Durante la pellicola verranno introdotti elementi che messi insieme creeranno un confusionario puzzle ma soprattutto tenderanno a decostruire il concetto di maledizione del primo capitolo sostituendolo con elementi più terreni. La rinascita carnale di Sadako e la sua identità androgina potevano anche essere elementi interessanti su cui fondare la pellicola ma sono tutti trattati in maniera troppo superficiale e con una scrittura veramente insufficiente. Proprio a causa di quest'ultima infatti il messaggio finale non arriva completamente allo spettatore o, se lo fa, lo lascia ancora di più nella confusione. Infine per quanto riguarda gli attori devo dire che non ricordo nessuna interpretazione memorabile anzi molte volte mi sembrano molto sottotono.

Rasen è un film che purtroppo si fa carico di un' eredità troppo pesante. Da qualunque parte lo si guardi non risulta minimamente sufficiente ad intrattenere lo spettatore. Una scrittura completamente confusa, unita ad una regia veramente scadente, lo rendono purtroppo un prodotto evitabile. Consigliato solo a chi voglia recuperare proprio tutto dell'universo di Ringu, gli altri possono tranquillamente passare oltre.

Un pensiero su Ringu (1998) di Hideo Nakata

Un pensiero su Ringu (1998)

Chi legge questo blog conosce bene la mia passione per il cinema orientale, tanto da dedicargli una sezione apposita per trattare tali opere. Era quindi questione di tempo prima che trovassi il tempo di visionare e scrivere un articolo che parlasse di Ringu, thriller/horror del 1998 diretto da Hideo Nakata, tratto dall'omonima opera cartacea di Koji Suzuki.

Reiko Asakawa è una giornalista che sta indagando sulla morte apparentemente inspiegabile di sua nipote e di alcuni ragazzi che pare essere stati vittima di una misteriosa leggenda urbana riguardante una videocassetta. Pare infatti, che chiunque guardi il contenuto di quest'ultima, sette giorni dopo morirà inspiegabilmente. Dopo aver visionato il video insieme al suo ex marito Ryuji Takanama, decide di trovare un modo per spezzare definitivamente la maledizione. Il tempo è poco e ad aumentare l'urgenza del tutto vi è anche il fatto che suo figlio, Yoichi Asakawa, ha visto la videocassetta.

Prima di addentrarci nell'analisi del film, parliamo del suo regista. Hideo Nakata fa il suo debutto nel 1992 con "Honto ni atta kowai hanashi: Jushiryou", una raccolta di tre corti che parlano di tematiche soprannaturali. Quattro anni dopo, nel 1996, dirigerà "Don't Look Up" dove incominciamo a vedere già una versione embrionale di Sadako ovvero della figura folkloristica giapponese chiamata "Yurei" ma di questo ne parleremo dopo. Dopo una breve pausa nel 1997- dove collabora alla realizzazione di "Gakkô no kaidan F"- è la volta, l'anno dopo, del film che lo renderà famoso ovvero "Ringu". Abbiamo quindi un regista che ha lavorato per molti anni con queste tematiche e conosce bene come gestire queste figure folkloristiche.

In Ringu osserviamo una regia minimalista, quasi da serie TV, ma non priva di una quadratura generale. Le poche volte che appare Sadako non sono mai per spaventare lo spettatore ma per metterlo a disagio. Pochi movimenti di camera, centratura del demone nell'inquadratura ed una performance ben riuscita di Rie Ino'o (l'attrice che interpreta Sadako), riescono nell'intento di trasmettere l'ansia necessaria affinché il tutto funzioni. Solo una volta vediamo un dettaglio di Sadako ed è terrificante. Per il resto della pellicola Nakata preferisce concentrarsi su inquadrature a mezza figura facendo "respirare" l'attore ma evitando di rinunciare alla scenografia costruitagli attorno. Grazie a ciò vi è una costante sensazione di oppressione e di urgenza perfettamente in linea con la storia narrata dalla pellicola. Chiarito che dal punto di vista registico il film è ben fatto torniamo alla storia e rispondiamo ad alcune domande.

Prima di esplorare ulteriormente il film chiariamo subito cosa rappresenta Sadako e che tipo di spirito giapponese rappresenti. Questo perché molte volte alcune azioni dei protagonisti ci potranno sembrare strane. Una delle domande che può farsi lo spettatore è: perché i due protagonisti vogliono a tutti i costi trovare il pozzo dove pare essere stata uccisa la ragazza? La risposta è semplice: lo Yurei è lo spirito di una persona che in vita è stata vittima di un omicidio o di un suicidio. Non trovando pace nel mondo degli spiriti, ecco che si trasforma in uno spirito vendicativo portatore di odio e rancore. Di solito queste vittime, a causa della natura della loro morte, non hanno ricevuto nessun tipo di rituale per prepararle all'aldilà. Ecco che quindi i protagonisti, trovando il cadavere di Sadako, sperano che offrendogli una degna sepoltura possano porre fine a tutto ciò. I protagonisti però vengono ingannati perché in realtà pare che allo spirito non interessi tale questione infatti con la morte di Ryuji Takanama, Reiko comprende che il motivo per cui lei è sopravvissuto debba essere un altro. Alla fine della pellicola la protagonista si accorge che lei si è salvata solamente perché ha fatto una copia del filmato e l'ha fatta visionare successivamente all'ex marito. Questo infatti è l'unico modo per scampare da una maledizione che apparentemente non ha mai fine. Un cerchio di dannazione eterno.

Ringu è un'opera importante che è riuscita a sdoganare un certo tipo di horror giapponese. Quello che infatti colpisce oltre alla trama ed a Sadako, è la mancanza di sangue sostituito invece da volti contorti e da un'atmosfera quasi asfissiante. Un film che ha gettato le basi e che è importante per chiunque voglia comprendere l'horror giapponese.

Il Signore degli Anelli: La Terza Era, un tie-in riuscitissimo

 

Ultimamente l'universo de "Il Signore degli Anelli" è nuovamente sotto gli occhi di tutti grazie alla serie amazon "Gli Anelli del Potere". L'articolo però in questione non vuole parlare di quest'ultima bensì de "La Terza Era", gioco di ruolo sviluppato da EA Games e uscito nel 2004.

Storia

Berethor è un soldato della guardia di Gondor e viene incaricato dal sovraintendente Denethor di mettersi in contatto con Boromir, suo figlio, partito per Gran Burrone. Mentre attraversava le lande dell'Eregion, il protagonista viene attaccato dai Nazgul e viene quasi ucciso se non fosse per Idrial, una giovane elfa al servizio di dama Galadriel che lo salva da tale minaccia. Insieme i due iniziano a collaborare per raggiungere i propri obbiettivi esplorando la terra di mezzo ed incontrando altri compagni di avventura.

Sotto questo punto di vista la storia è molto lineare, un semplice pretesto per far rivivere al giocatore i luoghi iconici e gli eventi importanti delle tre pellicole. Combatterete lungo l'Eregion ed esplorerete Moria fino ad arrivare ad oriente dove vi aspetteranno Rohan, Minas Tirith e tanto altro ancora; il tutto mentre ascolterete gli eventi che accadono nella terra di mezzo tramite filmati presi direttamente dalla trilogia.

Sono rimasto soddisfatto da come, nonostante sia una storia del tutto originale e fuori dal canone Tolkeniano, quest'ultima riesca ad inserirsi in maniera perfetta nei film. Non ci saranno infatti forzature né scelte invasive ed il tutto sarà quindi molto piacevole.

Gameplay

Come già scritto nell'introduzione, il titolo è un gioco di ruolo. Avremo quindi un party composto da un massimo di tre personaggi con la possibilità di cambiare durante la battaglia ognuno di essi con un guerriero in riserva. Mano a mano che vinceremo le battaglie, saliremo di livello e potremo investire i punti guadagnati in vari attributi dei nostri personaggi. Sarà quindi importante gestire bene la crescita dei nostri combattenti in modo da costruire un team variegato ed adatto a tutte le situazioni. Oltre a quest'ultimo potremo anche far imparare nuove abilità ai nostri personaggi, per fare ciò basta semplicemente utilizzarle il più possibile in modo tale da accumulate punti per l'abilità voluta.

A completare la costruzione del nostro personaggio ci saranno armi, armature e vari accessori che oltre a fornire bonus classici possono anche averne altri. Devo ammettere che l'equipaggiamento, oltre ad essere indispensabile, è anche bello da vedere e riprende a piene mani l'estetica del film.

Mentre esplorerete il mondo di gioco potrete completare piccole missione secondarie che alcune volte vi ricompenseranno con punti esperienza mentre altre vi garantiranno equipaggiamento aggiuntivo. A proposito di esplorazione, forse è questo il punto più dolente del titolo. Nonostante quest'ultima ricompensi sempre bisogna ammettere che il gioco è settato su corridoi. Non ci saranno ampie zone né grandi diramazioni e questo alla lunga può dare la sensazione al giocatore di essere sempre guidato e mai veramente lasciato libero.

Comparto Tecnico

Il gioco graficamente è molto gradevole e, avendo la licenza completa della trilogia, attinge completamente a quest'ultima. Non vi sono nemici originali e questo gioca all'immersione del giocatore che respirerà proprio l'aria del signore degli anelli. Molte ambientazioni saranno proprio come quelle del film, altre invece, nonostante siano create a posta per il titolo, avranno rispetto dell'opera da cui attingono.

Per quanto riguarda gli effetti di luce sono più che sufficienti infatti le abilità, pur non brillando di originalità, riescono comunque ad essere caratterizzate in maniera soddisfacente.

Commento Finale

Nei primi anni duemila i tie-in - i giochi tratti dai vari film presenti in sala - era generalmente mediocri.Di solito offrivano un'esperienza mordi e fuggi e non avevano una propria anima, in questo caso però ci troviamo di fronte ad un gioco di ruolo solido ed interessante che, pur non stravolgendo nessuna formula del genere a cui appartiene, riesce ad offrire agli amanti del signore degli anelli un'esperienza eccezionale. Le licenze sono qui sfruttate tutte molte bene a partire dal design delle creature fino ai nomi di oggetti o abilità che citano grandi guerreri del passato o terre remote. Se a ciò aggiungiamo un comparto sonoro preso direttamente dai film, ecco che ci troviamo di fronte ad uno dei prodotti meglio riusciti degli scorsi anni.

Un pensiero su Samaritan di Julius Avery

Un pensiero su Samaritan di Julius Avery

Ci sono quelle serate che non sai cosa guardare e passi quasi una buona ventina di minuti a scegliere il film. A quel punto potrebbe capitare che, spinto dalla noia, ti rifugi nel primo film che trovi essere il più sempliciotto. Più o meno è quello che mi ha spinto stasera a vedere Samaritan, film del 2022 e diretto da Julius Avery. Qui di seguito le mie impressioni.

Il film inizia raccontando la storia di due fratelli gemelli nati con una forza straordinaria che ad un certo punto vengono aggrediti dalla popolazione spaventata che appicca un incendio alla loro abitazione. In quest'ultimo purtroppo muoiono i genitori dei ragazzi ed ognuno dei ragazzi reagisce in maniera differente al lutto. Uno diventa Samaritan, l'eroe delle persone e beniamino della società mentre l'altro assume il ruolo di nemesis e minaccia quest'ultima istigando continuamente le classi più povere all'anarchia. Dopo anni di scontri i due si battono per un'ultima volta in una centrale e Nemesis perde definitivamente la vita inghiottito dalle fiamme. Passano esattamente 25 anni e troviamo Sam Cleary, ragazzino con una passione incredibile per l'eroe che fu Samaritan. Durante le sue indagini giornaliere alla ricerca del suo beniamino si imbatte in Joe Smith, un vecchio netturbino che sembra ricordi a Sam il super eroe da lui tanto amato e lo seguirà per scoprire se si tratti realmente di lui o se è solo l'ennesima speranza infranta.

Partiamo subito col dire che il film, nonostante una buona dose di violenza, ha un target molto basso ma non mi aspettavo che anche la qualità lo fosse. Il film è un concentrato di stereotipi e cliché che lascia basiti. Come se non bastasse gli attori non hanno idea di cosa significhi recitare e Stallone è oramai arrivato al punto che non riesce più a sostenere una scena d'azione come si deve. La battaglia finale è quanto di più imbarazzante si possa vedere con uno Sly che a fatica si destreggia nella coreografia e sembra che colpisca completamente a caso. 

Se poi dobbiamo parlare della trama - escluso il colpo di scena verso la fine molto carino - si capisce che è stata buttata giù in fretta. Reazioni incomprensibili, scene tagliate alla buona, tutto sembra essere frutto di un film che doveva essere forse qualcosa di più. Ci sono scene letteralmente inutili che durano troppo e che mangiano tempo a cose che dovevano essere esplorate a fondo. Sam vuole imparare a combattere poi dopo tre minuti mentre si scalda decide che non vuole più farlo abbozzando frasi trite e ritrite, poi il cattivo gli insegna a fischiare, poi mangia un hamburger con la ragazza di quest'ultimo mentre gli spiega la sua storia che non interessa a nessuno, poi esplode qualcosa, poi Stallone viene investito e poi vi rompete le palle oppure lo continuate.

Samaritan è veramente un film brutto, uno di quelli che non ti spieghi. Salvato solo dallo streaming perché se una roba cosi fosse uscita al cinema a quest'ora mezze sale americane avrebbero preso fuoco a causa degli spettatori esasperati.

Cosi si salva quindi? Nulla. Esistono film più leggeri e meno pretenziosi di questo che fanno bene il suo lavoro.

Samaritan è disponibile su Amazon Prime Video

Un pensiero su Sir Gawain e il Cavaliere Verde di David Lowery

Sir Gawain e il Cavaliere Verde (The Green Knight) è un film del 2021 prodotto, scritto, diretto e montato da David Lowery.

Avrei voluto realmente scrivere qualcosa di sostanzioso su Sir Gawain: un confronto con l'opera originale del XIV secolo, una riflessione sulla trasposizione, un pensiero sulla trama ma qui c'è da scrivere realmente poco e purtroppo non bene.

Gawain, nipote di re Artù, è un assiduo frequentatore di bordelli che aspira a diventare cavaliere della tavola rotonda per motivi che nemmeno lui saprà spiegare per tutto il film. Durante il Natale, mentre il re, i suoi cavalieri e lui festeggiano la ricorrenza, si presenta un cavaliere verde che lancia una sfida ad uno dei cavalieri lì presenti. Gawain si fa avanti e taglia la testa alla misteriosa figura ma dovrà rispettare le regole che quest'ultimo aveva citato poco prima; dopo un anno infatti si dovrà recare da lui alla cappella verde e ricevere lo stesso identico colpo che gli è stato inflitto. Il cavaliere verde prende quindi la testa e lascia la corte.

Dopo i primi 10 minuti mi sono reso conto di aver a che fare con un'opera completamente diversa rispetto al classico e questo non ha suscitato in me grande euforia in quanto per me le trasposizioni di classici - specie quelle che hanno un impatto importante nei contesti socio culturali - devono essere quanto più possibili fedeli al materiale di riferimento. Nonostante le già citate perplessità, proseguo con la visione fino al punto in cui capisco che oramai il film ha preso una direzione completamente diversa, accorgendomi nel mentre che quello che voleva narrare non riusciva ad essere veicolato nel migliore dei modi. Le prove che affronterà Gawain durante il viaggio verso la cappella verde sono tutte confuse e sembrano non arrivare mai a niente; vittima di una rapina, campione di uno spettro a cui deve recuperare la testa, dialoghi con giganti e tentazioni lussuriose sono vicende a cui lo spettatore non riuscirà a dare un vero e proprio senso, la sensazione infatti che siano messe lì solo come riempitivo è molto alta.

Le uniche cose che sembrano a cuore del regista sono la patinatura eccessiva in ogni inquadratura e quella sensazione di autorialità che vuole trasmettere. La fotografia infatti è la cosa che più volte mi ha lasciato perplesso, non capisco sinceramente la scelta di cambiare così tante volte tonalità a quest'ultima finendo non per caratterizzare ogni scena ma per rendere tutto il film un mosaico senza forma. Un caleidoscopio che lascia spiazzati e confusi per la mancanza di collegamento fra scene. Una post produzione talmente pesante ed invadente che ha ucciso il profilmico e lascia interdetti chi visiona il tutto.

Sir Gawain ed il cavaliere verde è il perfetto esempio di come il tocco personale di un'artista deve essere tenuto a freno quando tocca un'opera che non appartiene né a lui né a noi ma alle correnti del tempo.

Edge of Eternity, diario di viaggio #1

Edge of Eternity, diario di viaggio #1

La città di Herelsor

Nel mio precedente articolo riguardante Edge of Eternity avevo buttato giù le prime impressioni che avevo sul titolo. Ho deciso - invece di scrivere una recensione al termine del gioco - di scrivere una serie di resoconti man mano che proseguo nella mia avventura in modo da fornire una visione a 360° gradi del titolo. Per quanto sia possibile eviterò spoiler sulla trama e mi concentrerò sulle meccaniche introdotte o su altri elementi che compongono un JRPG.

Arrivati a Herelsor, una grande città situata dopo un'enorme pianura, ho potuto incominciare a fondere i gioielli che ottenevo durante la progressione. Ho visto molte recensioni parlare di "gioco sbilanciato"  ma ho la netta sensazione che sia stato tralasciata da molti recensori questa meccanica che permette di fondere fino a cinque gioielli ed ottenerne uno più forte da inserire nel proprio slot dell'arma. Facendo cosi infatti, oltre ad ottenere un significativo bonus alle statistiche, abbiamo la possibilità di personalizzare il proprio personaggio tramite tecniche o incantesimi. Continuando con il crafting cito volentieri la possibilità di creare materie prime per poi a loro volta essere utilizzate per creare armi o protezioni di vario genere. Le materie prime si ottengono dai mostri mentre per scoprire nuove armi o armature occorrerà comprare o trovare le ricette sparse per il mondo di gioco, senz'altro una gradevole aggiunta. Discorso diverso per il Combat System rimasto pressoché invariato ma non per questo meno appagante.

Per quanto riguarda l'aspetto tecnico purtroppo il titolo continua a soffrire di cali di frame rate, specie nelle zone più affollate inoltre spesso assistiamo anche a fenomeni di pop up, sia chiaro niente di sconvolgente ma un occhio più esigente potrebbe non riuscire a passarci sopra.Gli sfondi dei paesaggi invece sono tutti ottimi.Ho attraversato pianure, montagne innevate, boschi costituti da enormi funghi al posto di alberi ed altri con colorazioni al neon estremamente interessanti. Da questo punto di vista la varietà è ottima e non vedo l'ora di proseguire per scoprire cosa ancora questo titolo mi riserverà.

La mia avventura con Edge of Eternity quindi continua e, una volta arrivato al prossimo capitolo, vi darò un resoconto di come stia proseguendo il viaggio con Selene e Daryon.

Un pensiero su Paratropic

 Un pensiero su Paratropic

Il mercato degli indie si oramai affermato da anni con produzioni veramente valide. Queste opere indipendenti spaziano fra tutti i generi esistenti esplorando anche il lato creativo più sperimentale. Paratropic ricade in quest'ultima categoria e se continuerete a leggere scoprirete il perché.

Le ambientazioni sono quasi sempre dominate da una scarsa illuminazione

Storia

Sviluppato e distribuito da Arbitrary Metric, il gioco vi mette nei panni di una serie di persone apparentemente slegate tra di loro ma che, mano a mano che avanzerete nella storia, comprenderete cosa le unisce. La storia è frammentata e apparentemente priva di logica. Potreste trovarvi ad esplorare un condominio e, ad un certo punto, trovarvi in una foresta armati di una fotocamera digitale. Da questo punto di vista la narrazione risulta sconnessa e molto difficile da decifrare.

Essendo un titolo in prima persona, l'immersione è completa e per come è trattata l'atmosfera, la scelta di ricorrervi è più che giustificata. Fino alla fine non capirete bene cosa state facendo né perché ed il titolo non vi aiuterà certamente a scoprirlo. La narrazione infatti sembra un grande sogno onirico e più di una volta sembra che attinga dall'opere di David Lynch confondendovi e non facendovi aggrappare a nulla di certo.

Continuare a parlare della storia o della sua esposizione rischierebbe di rovinarvi l'esperienza perciò lascerò a voi il compito di esplorare il titolo e di farmi sapere nei commenti come lo avete trovato.

Gameplay

Come accennato sopra, il titolo non ha un vero e proprio gameplay e potrebbe ricadere nella categoria dei cosiddetti "walking simulator". Vi troverete quindi a dialogare con personaggi strani e dal carattere molto ben ideato, guidare un veicolo in una notte senza un'apparente fine oppure esplorare strane strutture sotterranee. L'interazione con l'ambiente è minima ma essenziale se vogliamo comprendere le sfumature che la trama possiede e, nonostante il gioco si completi in poco meno di un'ora, la rigiocabilità è molto elevata anche grazie alla voglia di scoprire cosa nasconda questo misterioso titolo.

Nonostante quindi la natura sperimentale del titolo sia dal punto di vista narrativo che ludico, credo che il gioco riesca con il suo gameplay semplice ma efficace ad essere interessante per qualsiasi tipologia di utenza.

Comparto tecnico

Il gioco ha un'estetica veramente brillante e angosciante. La grafica low-poly accentua l'inquietudine che si prova, fra personaggi col volto in perenne cambiamento e figure che si intravedono a malapena, lo stile artistico riesce a veicolare un senso di angoscia e di disagio. Le musiche con i suoi onnipresenti toni scuri non risulta mai noiosa ma anzi è piacevole da ascoltare e contribuisce l'immersione del giocatore.

L'unica sessione ambientata di giorno è anche una delle più importanti a livello narrativo

Considerazione finale

Paratropic è un indie sperimentale e coraggioso che fa parte di una nuova tipologia di giochi che in questi ultimi anni si sta facendo sempre più presente sul mercato indie. La sua grafica minimalista che richiama le console a 32-Bit riesce ad essere piacevole ed originale e se a ciò uniamo un gameplay che pone l'enfasi sull'atmosfera, ci troviamo senza ombra di dubbio di fronte ad una sorpresa. Scoprire la storia che sta dietro tutti gli eventi del gioco è appagante e, nonostante non sia di facile comprensione, la voglia di svelare i misteri del titolo vi accompagnerà mentre cercate di mettere in ordine il tutto...

Il prezzo infine è estremamente basso e lo troverete spesso in sconto sui due ero, motivo in più per provare questo interessante titolo. Per chi ama le atmosfere cupe e misteriose e le storie al limite del credibile questo titolo è un acquisto obbligato mentre per chi invece cerca qualcosa di più tranquillo potrebbe rimanere deluso. Il mio consiglio è comunque quello di dare una possibilità al gioco perché sono sicuro che potrebbe piacere a molte più persone di quanto si possa pensare. 

Un Pensiero su Snow Sakura

Yukizakura è un titolo del 2003 sviluppato dalla D.O. ed arrivato in occidente nel 2007 col nome Snow Sakura. Ambientato nell'Hokkaido degli anni 90', la visual novel presenta una storia molto semplice ma con tematiche spesso mature.

La copertina del titolo

Storia

Yuuji Tachibana è stato appena mandato dallo zio in una piccola cittadina dell'Hokkaido. Suo padre infatti è stato trasferito per cause di lavoro all'estero e, non volendo portarsi il figlio dietro, l'ha letteralmente scaricato da suo fratello. Qui, oltre allo zio, si troverà a convivere con la cugina Saki, una ragazza molto vivace e manesca. Dato che dovrà passare almeno un anno dai parenti, il protagonista dovrà frequentare la scuola del posto cercando di allacciare nuove amicizie e, perché no, trovarsi anche una ragazza. Una volta iscrittosi alla scuola ed iniziato il nuovo percorso di studi farà la conoscenza dei suoi compagni di classe. Misaki, ragazza molto timida e gentile; Rei, la sacerdotessa del tempio locale; Kozue, vera nerd per quanto riguarda le ultime tecnologie; Misato, l'insegnante con cui legherà di più e sorella di Misaki ed infine Sumiyoshi che diventerà il miglior amico del protagonista. Uno dei temi centrali del gioco è il ciliegio invernale, albero caratteristico della zona che sboccia in maniera del tutto innaturale durante l'inverno. Infatti Yuuji ha un ricordo che risale a molti anni prima riguardante quest'ultimo ed una misteriosa ragazza che conobbe nella cittadina

Misato, l'insegnante pasticciona 

Snow Sakura è una visual novel che ha come obbiettivo la narrazione quotidiana della vita di Yuuji. Questa caratteristica, chiamata "slice of life", se non gestita bene con fasi umoristiche, rischia di affossare la storia e annoiare il giocatore ma per fortuna il ritmo riesce sempre ad essere ottimo con siparietti comici e situazioni divertenti ben dosate. Ci troveremo quindi nella common route ad esplorare i vari caratteri dei personaggi ed a prendere delle decisioni che andranno a confluire verso una delle eroine presenti nel gioco. Di solito, in questo tipo di produzioni, non è facile gestire tutti questi personaggi e il rischio di trascurare alcuni personaggi è alto. Snow Sakura riesce però a caratterizzarli tutti bene e possiede delle route veramente mature e con spunti di riflessioni validi. Un esempio interessante è la storia d'amore che possiamo avere con la professoressa; nonostante possa sembrare una situazione stramba e stereotipata, quando arriveremo nel cuore della narrazione scopriremo che possiede un potenziale dal forte impatto emotivo. I due sono costretti, per ovvie ragioni, a nascondere la loro relazione alle persone e si troveranno ad avere ben poco tempo per vedersi. Quando lo fanno inoltre Yuuji, come ogni adolescente, è spinto più dalla passione e dal desiderio intimo mentre Misato è molto più matura e lo mette di fronte alla dura realtà. Quest'ultima gli ricorda che deve scegliere bene la sua strada per diventare un adulto responsabile e che è importante che capisca che la loro relazione potrebbe non essere così tanto seria in termini di durata. Capiamo quindi che la donna vuole godersi il momento presente in un modo completamente diverso dal ragazzo e che non vuole illudersi di poter costruire qualcosa con Yuuji. Non voglio anticiparvi null'altro ma vi garantisco che le altre storie hanno tematiche altrettanto importanti e che andranno ad esplorare il protagonista in maniera completa.

La scrittura, nonostante la maturità di molti temi, è molto semplice e anche chi non conosce bene l'inglese non dovrebbe avere grossi problemi. Il gioco scorre quindi molto bene e ogni dialogo si fa leggere con piacere.La suddivisione inoltre in capitoli, aiuta il giocatore a capire quando fermarsi se
ha intenzione di smettere in modo tale da non interrompere bruscamente in momenti importanti.

Saki, la cugina del protagonista

Gameplay

Snow Sakura presenta al giocatore una common route con all'interno decisioni da non prendere alla leggera. Anche la domanda o la risposta più divertente, potrebbe portare ad un cambio totale della direzione della storia. Quindi, se avete fin dall'inizio le idee chiare su quale ragazza conquistare, state bene attenti alle vostre scelte. Alla fine della common route, il gioco inizierà a narrare la storia dedicata alla relazione fra il personaggio e l'eroina. A quel punto le scelte saranno ridotte drasticamente e l'impatto che avranno sarà veramente minimo. Non ci sono altre interazioni se non quelle elencate poco fa e quello che vi rimane sarà godervi una buona storia. Il titolo è quindi molto semplice ed accessibile alla stragrande maggioranza di persone, escluso un paio di route che hanno necessitano un paio di partite per essere individuate.

Comparto Tecnico

L'artista Shikei riesce a tratteggiare una realtà semplice ed efficace. Il suo tratto è sicuramente originale e riesce a veicolare quell'atmosfera da slice of life che il titolo necessita. I personaggi sono caratterizzati bene e, se pur non brillino di originalità, riescono ad esprimere la loro identità. Le CG sono tutte di buon livello anche se forse alcune avrebbero potuto essere migliori. Discorso diverso per gli sfondi. Purtroppo le scarse ambientazioni insieme a dei background non proprio esaltanti, non riescono ad offrire la varietà di cui un titolo del genere avrebbe bisogno.

Per quanto riguarda il comparto sonoro siamo su livelli estremamente basilari. Ci sono giuste le tracce principali che vi accompagneranno per tutto il gioco. Ne avrei gradito sicuramente di più in modo da sottolineare anche le situazioni più tese o comunque più importanti.

Infine parlando dei doppiatori possiamo citare alcuni nomi di produzioni importanti che hanno prestato la voce alle eroine prima fra tutte Asakura Suzune  (Amagami, Island, BlazeBlue Central Fiction), Takatsuki Sakura (Garden)  e Aoyama Yukari (The Sagara Family's Enjoyable Life).

In sintesi, nonostante il comparto tecnico del titolo sia più che sufficiente, non riesce in alcun modo a brillare come dovrebbe e la sensazione è quella che sia stato fatto il minimo indispensabile.

Commento Finale

Snow Sakura è una visual novel interessante, che non annoia e che riesce ad intrattenere il giocatore. Nella produzione spicca senza ombra di dubbio la caratterizzazione dei personaggi ed il doppiaggio di ottimo livello mentre il suo punto debole risiede in un comparto tecnico di medio livello. Sfondi non propri ispirati, poche tracce musicali e personaggi che non spiccano per qualità non permettono al titolo di essere un must have. Per il prezzo a cui è venduto, circa 10 euro su Jast USA, è un acquisto caldamente consigliato per chi cerca una visual novel disimpegnata a prezzo budget ricordandosi ovviamente dei limiti che l'opera possiede.

Una retrospettiva su Mystical Ninja Starring Goemon (1997 - Nintendo 64)

 Mystical Ninja Starring Goemon

Sono passati tanti anni dal debutto di Goemon, il ninja dai capelli blu di casa Konami. Molti videogiocatori, a causa dei pochi titoli arrivati in occidente, non conoscono questo simpatico personaggio e la saga, nonostante in Giappone abbia avuto un successo strepitoso, non è riuscita a sfondare del tutto in occidente.

Uscito nel 1986 per sale giochi, “Ｍｒ. 五右衛門” (Mr.Goemon) fu il primo titolo della serie, un Platform 2D dove l'obbiettivo era avanzare attraverso livelli pieni di nemici sconfiggendoli con la sua famosa pipa. Quello che colpiva non era tanto il gameplay - che era perfettamente in linea con gli standard dell'epoca - quanto lo stile grafico e le musiche. Infatti, Il design di Goemon e dei suoi avversari prendeva spunto dall'arte giapponese in voga nel 18° secolo, in particolar modo dalle stampe artistiche chiamate ukiyo-e. Se a tutto ciò aggiungiamo anche le sonorità tipiche del periodo ed il personaggio principale basato su famoso ladro di quel periodo, ecco che il prodotto assume un'identità veramente forte. Purtroppo, nonostante i vari seguiti, non vi erano ancora piani per portarlo in occidente. Avremmo infatti aspettato fino al 1991 prima di vedere un titolo della serie sbarcare sulle console oltreoceano.

"Ganbare Goemon: Yukihime Kyuushutsu Emaki ", chiamato in occidente "The Legend of Mystical Ninja", fu il titolo in cui il nostro amato ninja debuttò. Uscito su snes, fu accolto in maniera positiva e venne apprezzato, fra le altre cose, anche per la sua vena umoristica. Non mi dilungherò oltre a parlare di questo titolo in questa sede poiché ora voglio trattare “Mystical Ninja Starring Goemon”, platform-adventure uscito nel 1997 per Nintendo 64 e di come questo titolo rappresenti per me un must-play.

Stampa artistica a cura di Toyokuni III
che ritrae Hirashi Inasuke, attore di Kabuki, impegnato
in una rappresentazione teatrale

STORIA

Ambientato in un'epoca al di fuori dello spazio e del tempo, l'inizio di Mystical ninja è tanto epico quanto assurdo. Un'enorme astronave, dopo aver sorvolato brevemente la città di Oedo , spara ad un certo punto un raggio diretto verso il castello del signore locale trasformandolo in un castello dall'estetica occidentale(!). Goemon ed il suo amico Ebisumaru, dopo aver letteralmente scroccato un pasto ad una locanda, decidono di indagare per riuscire a riportare la normalità .Questo non è che l'inizio delle loro strampalate avventure lungo un Giappone completamente anacronistico, surreale, ironico e folle.

Durante il gioco vi capiterà infatti molte volte di leggere dialoghi dalla comicità marcata. Ogni interazione con i PNG mette in scena sempre una battuta o un siparietto che coinvolgerà il vostro eroe. Per non parlare dei nemici e delle loro motivazioni che vi lascio scoprire se vogliate recuperare in qualche modo il titolo. Tutto è focalizzato sul divertimento e sulla spensieratezza. Da questo punto di vista, il lavoro di adattamento riesce a compiere un discreto lavoro e a veicolare in buona parte l'umorismo originale del titolo, cosa di certo non facile poiché quest'ultimo attinge a piene mani ad una delle forme più vecchie della comicità giapponese, il Manzai. Per chi non sapesse cosa sia, basti spiegare che si tratta di una forma tradizionale di cabaret giapponese dove di solito due attori mettono in scena un siparietto comico pieno di battute e giochi di parole. Come quindi intuirete, portare in occidente una tale caratteristica nella sua forma originale, è pressoché impossibile ma come già accennato sopra, nonostante le ovvie modifiche alle battute ed ai dialoghi, il prodotto arriva con lo stesso spirito.

Per finire come non citare tutti i riferimenti estetici e non alla cultura pop dell'animazione giapponese degli anni '80.Robot giganteschi, musiche, estetica dei nemici e tutto il circondario ci riporta ai tempi d'oro di quest'ultima e anche qui il risultato è veramente ottimo.

GAMEPLAY

Mystical Ninja è un action-adventure che è in forte debito con le più importanti produzione dell'epoca. L'esplorazione del mondo di gioco e la sua costruzione ricorda molto da vicino "Super Mario 64" mentre la struttura dei suoi Dungeon quella della serie de “The Legend Of Zelda”. Il titolo quindi è molto derivativo ma questo non gli impedisce di ritagliarsi una sua identità tramite le sue caratteristiche citate poco fa.

Durante l'avventura saremo chiamati ad esplorare l'intero Giappone per cercare di fermare i malvagi piani dei nostri nemici. Esploreremo cittadine, monti, pianure e castelli, ognuno dei quali suddiviso in aree più o meno grandi. Grazie alla possibilità di utilizzare ben quattro personaggi, ognuno con delle proprie abilità e caratteristiche,  il combat system risulta vario e appagante nonostante alcune sbavature riguardante l'hitbox di certi nemici.

Le città offrono invece al giocatore la possibilità di acquistare power-up, riposare alla locanda salvando la partita o persino consultare un oracolo per sapere il prossimo obbiettivo. I dungeon sono in pieno stile Zelda richiedendo quindi la risoluzione di enigmi ed il reperimento di chiavi per avanzare lungo quest'ultimo ed arrivare al boss dell'area.

Quello che sicuramente è il cavallo di battaglia del titolo sono però le battaglie a bordo del gigantesco robot Impact. In alcune sezioni del gioco affronteremo, a bordo del nostro fidato mecha, intense battaglie contro altri nemici. All'interno del nostro abitacolo potremo agganciare i nostri nemici con la catena, prendili a calci pugni creando combo e persino sparare proiettili. La varietà è quindi elevata e non vi annoierete mai.

COMPARTO TECNICO

Mystical Ninja Starring Goemon si presenta molto bene all'occhio del giocatore. Colorato, fantasioso ed accattivante sono solo alcuni degli aggettivi che vengono in mente. I movimenti dei nostri Ninja sono fluidi e morbidi e rispondono alla perfezione. Forse uno dei problemi risulta essere la telecamera che purtroppo molto volte non segue bene le azioni del nostro personaggio in quanto prima di posizionarsi completamente alle spalle dovremmo stare fermi per almeno un paio di secondi. Se questo problema non si sente nelle zone aperte, non si può dire lo stesso nelle sezioni al chiuso che magari richiedono qualche salto preciso. Le musiche sono letteralmente fantastiche e spaziano da sonorità tradizionali giapponesi a tracce dall'animo funky. Una nota di merito va a Hironobu Kageyama (Dragon ball Z) e Ichiro Mizuki (Mazinga Z) creatori di due tracce letteralmente memorabili.

CONSIDERAZIONI FINALI

Mystical Ninja Starring Goemon è un titolo fantastico. Tutto risulta curato ed ispirato e strapperà  più di una risata mentre il giocatore sarà impegnato ad esplorare questo mondo così strano ma allo stesso tempo affascinante e pulsante di vita. Purtroppo il titolo è confinato sul Nintendo 64 rendendolo di fatto difficile da reperire.Se però avete da qualche parte la console, è giunto il momento di rispolverarla, comprare il titolo e immergersi in uno dei giochi più strambi degli ultimi anni.