Un pensiero su Train to Busan di Yeon Sang-Ho (2016)

Il mondo del cinema è pieno film sugli zombi o sugli infetti. Sono talmente tanti che è difficile pure ad oggi quantificarli. Molti sono sono semplici film di genere che tramite lo splatter offrono un mero divertimento al pubblico, altri ancora - come ad esempio le opere di Romero - sfruttano quest'ultimo per mandare un messaggio socio politico allo spettatore. Il secondo caso riguarda Train to Busan, opera di Yeon Sang-ho uscito nei cinema coreani nel 2016.

Seok-woo è un consulente finanziario da poco separato che sembra, a causa del lavoro, avere poco tempo da dedicare alla piccola figlia, Soo-an. Un giorno la bambina esprime il desiderio che, per il proprio compleanno, possa andare a trovare la madre a Busan. Il padre, riluttante all'idea di far andare la piccola da sola, decide di accompagnarla. Una volta sul treno - un'epidemia che trasforma le persone in pericolosi infetti raggiunge il suo culmine ed i due - insieme ad altri sconosciuti, si troveranno a sopravvivere per arrivare sani e salvi a Busan, unica città che sembra essere al riparo da tale minaccia.

Prima di proseguire ricordo che questa è un'analisi di punti chiave della trama e che quindi anticipano eventi importanti. Prima di leggere questo articolo, sarebbe bene visionare prima la pellicola.

Train to Busan è un film che, come accennato nell'introduzione, sfrutta il genere per raccontare in realtà una storia ben più profonda e nasconde delle chicche interessanti. Prima di essere infatti una storia sugli infetti è una storia sulla natura e sulle relazioni umane.Non importa che vi siano eventi catastrofici o altro, anche gli eventi quotidiani possono destabilizzare la nostra normalità E' bene quindi tenere a mente che è proprio durante quest'ultima che dovremmo goderci un po' più le cose. Evitiamo una litigata senza senso, stiamo insieme alle persone a cui vogliamo bene ma soprattutto cerchiamo sempre di fare la scelta giusta quando ci si presenta l'occasione. Questo è quello che Train to Busan cerca di trasmettere ed è quello che, presi dal turbinio dalla vita moderna, non ci rendiamo conto. La pellicola in questo caso è realista, non da per scontato nulla né cerca il pessimismo ad ogni costo quanto cerca di sottolineare quanto l'altruismo è la chiave per una vita davvero degna di essere vissuta. L'esempio più eclatante è il magnate che sacrifica letteralmente tutti durante il suo percorso alla ricerca di una salvezza per poi morire in solitudine ed ucciso da colui che, durante l'avventura, ha compreso che l'altruismo permette di vivere in maniera profonda ed armoniosa. Quando quest'ultimo ci lascia - ricordandoci che essere buoni non è né una debolezza né purtroppo uno scudo invincibile- riesce però a farlo con l'immagine della figlia impressa negli occhi. Ecco quindi nascere la dicotomia fra i due personaggi necessaria a capire che non è importante sopravvivere a tutti i costi, quanto vivere avendo una buona morale e allora persino la morte non farà più paura anzi. Dimenticatevi inutili jump scare o momenti splatter, qui gli infetti fungono da catalizzatore per mettere la natura dei personaggi in mostra e, come avete potuto leggere, centra in pieno il bersaglio. Tornando a parlare del protagonista, possiamo interpretare il suo viaggio verso Busan come un percorso di redenzione e comprensione. E' molto triste vedere nei primi minuti un padre che non riesce a dialogare con la figlia né a comprenderne le esigenze ma soprattutto vivere una vita moralmente più accettabile. Il suo mestiere infatti - ricordandoci che è un consulente azionario - è quello di speculare sulle perdite altrui e di calpestare il più debole. Nella seconda scena del film lo vediamo vendere titolo azionari che potrebbero destabilizzare il mercato ma lui, incurante delle possibile conseguenze, prosegue nella vendita. Interessante notare come un suo sottoposto ad un punto del film si colpevolizza in quanto quei titoli potrebbero aver scatenato - anche se non direttamente - l'epidemia. Ecco un altro prezioso parallelismo che si palesa davanti a noi. Possiamo trovare un'analogia fra gli infetti e la classe più povera della Corea del Sud? Sì, forse Busan parla anche di questo, parla della classe dominante che, presa dai suoi affari, schiaccia il più debole fregandosene altamente di cosa potrebbe provare quest'ultima. Viviamo in un mondo estremamente capitalista che sembra andare sempre di più verso una direzione consumistica estrema. Tutto ha un prezzo ed in questo caso, persino la vita delle persone. Possiamo quindi sentire un sapore romeriano se analizziamo così l'opera. Ricordiamoci ancora le azioni del magnate. Il suo continuo e -non per niente casuale- "spingere" le persone verso gli infetti per salvarsi non è altro che spingere la classe più povera verso la rabbia della moltitudine. Lui si salva ingannando e indirizzando le persone verso la strada più pericolosa. Il suo egoismo è al limite del disgusto e la sua morte però è quanto di più tragica possa capitare. E' vero, vorremmo per soddisfare il nostro senso di giustizia, vedere quest'uomo fatto a pezzi ma quando si presenta davanti al protagonista infetto, in cerca d'aiuto e disperato per tornare dalla madre, non possiamo che provare una breve compassione. Anche le persone più disgustose hanno un'anima e questo la pellicola ci tiene a ricordarcelo. Un altro tema che ha a cuore il film è il tempo e come erroneamente molte volte lo sprechiamo rimandando. Il giovane giocatore di baseball è quasi infastidito dalla ragazza cheerleader che gli va dietro ma, durante gli eventi della pellicola comprende l'importanza che ha la ragazza nella sua vita. Il loro destino mette tristezza ma serve a ricordarci che la quantità di tempo non la decidiamo noi ed è bene quindi - ovviamente senza furia né azzardi - cogliere le occasioni che si presentano a noi. Alla fine chi sopravvive a questa tragedia? Una bambina ed una donna incinta. Non voglio premere troppo sui parallelismi rischiando di forzare un significato ma forse non sono stati scelti a caso. La speranza di un mondo migliore è in mano alla generazione che verrà perché la precedente ha dimostrato di non aver capito l'importanza del bene nel mondo. Ecco che quindi passiamo alla semplice canzone cantata dalla bambina nel finale che funge come ancora di salvezza per le due che altrimenti sarebbero rimaste uccise sotto i colpi dei militari.

Compreso che la chiave di lettura per il film è questa, passiamo al lato tecnico, forse quello di minore importanza di fronte ad una trama cosi potente ed impattante. Il regista dimostra durante tutta la pellicola di avere in mano la situazione anche durante le fasi più concitate. L'azione viene sempre seguita bene e, tenendo conto che gli attori recitano in uno spazio veramente contenuto, non era per niente facile. La macchina da presa sa indugiare sugli infetti specialmente quando quest'ultimi si muovono per attaccare e raramente quando sono fermi a non fare nulla per consegnarci una caratterizzazione di quest'ultimi veramente letale, aggressiva e rapida. Ci sono sequenze che ricorrono alla CGI e purtroppo qui notiamo che non è proprio di qualità eccellente ma, considerando tutti gli altri aspetti positivi, la considero una cosa da poco. Concludo citando l'ottimo montaggio che garantisce la film un ritmo davvero incredibile.

Gli attori dal canto loro riescono ad essere sempre convincenti, i loro personaggi sono ben delineati e non sono mai scontati. Nonostante il messaggio del film sia l'altruismo, questo non viene mai veicolato dai personaggi in maniera stucchevole risultando invece credibili ed affascinanti.

Train to Busan è un film che incoraggia la buona azione, la cooperazione fra essere umano ed alla lotta contro tutto ciò che è sbagliato e lo fa utilizzando come mezzo un "semplice" film sugli infetti. Un'ottima regia ed un cast convincente riescono ad elevare quest'opera ad alti livelli e senza ombra di dubbio questo film entra di diritto fra i migliori film sugli infetti degli ultimi anni.

Gli spiriti vendicativi del cinema orientale (Speciale)

Quando parliamo di Horror giapponesi, la nostra mente va automaticamente al Ringu di Hideo Nakata o al Ju-on di Takeshi Shimizu. Certo, i più esperti potrebbero anche - con giusta ragione - citare il Kwaidan di Masaki Kobayashi perciò è giusto analizzare cosa l'oriente considera "spaventoso" e come lo veicolo attraverso produzioni del genere.

La mitologia giapponese fra Kojiki e Shintoismo

Prima di tutto è bene sapere che il J-Horror - così come viene chiamato l'horror giapponese - attinge quasi sempre al folklore nipponico. Una mitologia ricca di simboli e creature che trovano origine in una delle opere più importanti giapponesi, il Kojiki. Il Kojiki - che significa letteralmente "vecchie cose scritte"- nasce in ambienti regali nell'VIII secolo ad opera di O no Yasumaro che, alla corte del sovrano Tenmu, venne redatto e consegnato circa 26 anni dopo alla nipote Genmei. L'opera narra la mitologia giapponese ed è quasi un tentativo per dare identità e lustro al paese e, in qualche modo, cementare un suo legame col divino. Nell'opera troveremo quindi i miti che faranno da pilastro portante alla cultura nipponica. Izanagi, Izanami, Amaterasu e Susanoo sono solo alcuni dei nomi degli antichi dei che affollano il Pantheon giapponese e l'opera non fa che altro che descriverci l'attività di quest'ultimi impegnati nella creazione del Giappone. Abbiamo riferimenti al confucianesimo ed al taoismo e incomincia a far capolino la religione principale del paese del Sol Levante, lo Shintoismo. Ecco che di conseguenza "compaiono" una serie di creature legate a miti o leggende che contribuiranno a rendere tanto ricca quanto affascinante la mitologia giapponese come ad esempio gli Yokai o gli Onryo. Comprendo benissimo che riassumere una argomento del genere in poche righe è quasi impossibile e mi scuso per le eventuali imprecisioni o omissioni ma questa introduzione era necessaria per portarci al prossimo argomento ed in seguito all'arte nel cinema giapponese.

Lafcadio Hearn e l'introduzione della cultura dello spettro giapponese in occidente

Lafcadio Hearn (1850 - 1904) fu un giornalista e scrittore irlandese naturalizzato giapponese che guadagnò popolarità per i suo scritti giapponesi. Un esempio è la sua opera principale ovvero "Kwaidan:Stories and Studies of Strange Things", libro in cui vi si trovano storie di Yokai ed altre leggende giapponesi. L'importanza di questi scritti è stata quella di aprire l'occidente ad una visione completamente diversa dalla loro riguardante il mondo degli spiriti ed è stato un tentativo estremamente importante in quanto non si limitava solo a questo ma anche ad offrire un'ulteriore visione di un Giappone preindustriale. Grandi scrittori ed intellettuali come George Orwell accusarono Hearn di "trans-nazionalismo" o di "esotizzazione" del Giappone ma ad oggi sappiamo per certo che senza il suo contributo sarebbe stato estremamente difficile per noi goderci oggi di uno strumento in grado di comprendere meglio il Giappone più remoto. Lo stesso Kobayashi attingerà al suo libro per la creazione del suo film citato nell'introduzione.

Abbiamo quindi la base folkloristica e uno dei più importanti divulgatori di questa materia. Ci manca ora di analizzare grazie a questi gli spiriti vendicativi del Sol Levante.

Gli Onryo, gli spiriti vendicativi

Gli Onryo sono un tipo di fantasmi (Yurei) che tornano di solito a tormentare i vivi. Le cause possono essere molteplici. Partiamo da una moglie abbandonata o uccisa fino ad una promessa infranta in punto di morte. In poche parole un essere umano che ha subito una qualche genere di ingiustizia causandogli la morte, torna per perseguitare il malcapitato. Mi rendo conto che ho semplificato molto ma allo stesso tempo di aver veicolato in maniera chiara la genesi di questa tipologia di spettri. Purtroppo molte volte accade che questo tipo di fantasmi, una volta morti, possano molte volte compiere una giustizia sommaria. E' il caso di Sadako o Kayako in cui le loro maledizioni non solo si posano sull'autore delle loro sofferenze ma anche su vittime innocenti che il caso le ha portate ad averci a che fare. Ritorniamo brevemente su Kayako. Nella pellicola la donna viene uccisa in maniera terribile dal marito infatti subisce sia la stroncatura del collo che la pugnalata a quest'ultimo che la porterà a fare il suo caratteristico verso. Lo spirito in seguito ucciderà il marito strangolandolo coi capelli ma, una volta fatto ciò, tornerà ad infestare nuovamente il luogo del suo omicidio per uccidere chiunque ci metta piede. In questo caso il sentimento rancoroso è il carburante inesauribile che porterà Kayako a vestire i panni della donna maledetta per sempre. Possiamo porci la classica domanda, è possibile mettere fine alla maledizione. In molti libri o pellicole di solito viene chiesto l'aiuto di un'esorcista ma anche lì il successo non è garantito.

Abbiamo visto quindi che promesse infrante, omicidi o altre azioni riprovevoli portano nell'horror giapponese a conseguenze disastrose di cui difficilmente la vittima può liberarsi. La negazione di questo argomento nella realtà è impossibile perché chiunque, in cuor suo, ha quella punta di superstizione che lo governa quotidianamente.

 

Un pensiero su Old Boy di Park Chan-wook

Parlare di Old Boy dopo diciannove anni non è facile. Cosa dire che non sia già stato detto su una delle opere più impattanti di uno dei registi coreani più importanti se non cercare di dare la propria opinione su cosa ha rappresentato questo film. Ricordo di averlo noleggiato appena uscì in Italia in home video e, una volta averlo visto, di aver provato talmente tante emozioni da non saperle quantificare ma andiamo con ordine.

Oh Dae-soo è un normalissimo uomo che ad un certo punto della sua vita viene rapito da sconosciuti e tenuto sotto chiave per quindici anni. Durante questo periodo cercherà di scoprire l'identità dei suoi rapitori ma, dopo vari tentativi falliti, vi rinuncerà ed incomincerà ad ideare un piano di fuga. Per non impazzire del tutto, a causa della solitudine della prigionia, si prenderà cura del suo corpo tramite vari allenamenti e praticherà un po' di boxe. Fra un pasto di ravioli e l'altro mediterà anche la vendetta verso chi lo ha condannato a tale ingiustizia fino al giorno in cui, senza nessuna spiegazione, viene rilasciato.

Questa è in breve la sinossi del film e già da qui possiamo intravedere l'originalità del soggetto. Bisognerà però andare ancora più avanti per sviscerare il significato dell'opera e quindi, chi ancora non abbia visto questo film, dovrebbe evitare di leggere da qui in avanti.

Una volta libero Dae-soo incomincerà una caccia all'uomo. Molte sono le domande che vorrebbe fargli ma una fra tutte gli ronza particolarmente in testa, perché ha dovuto scontare una pena così dura, lui uomo dalla vita semplice? Dopo varie indagini scopre il palazzo dove gli aguzzini lo tenevano, interroga il capo ma non arriva a nulla. Viene solo a sapere che qualcuno ha pagato per far sì che lui stesse quindi anni chiuso. Nonostante i rapitori compiessero quasi giornalmente operazioni del genere, Dae-soo è l'unico che è restato cosi tanto tempo dentro. Aveva saputo tutto quello che c'era da sapere ed escluso la dubbia attività di queste persone, era chiaro che loro non c'entravano nulla. Nel frattempo fa la conoscenza di Mi-Do, una giovane cameriera in un ristorante ed istaurerà con lei una relazione. L'uomo cerca ancora di proseguire la sua ricerca e scopre che un tale Lee Woo-jin, un potente uomo d'affari, è l'artefice di tutto. Dopo altrettante vicende i due si confrontano nell'attico di Woo-Jin e quest'ultimo incomincia a raccontargli la motivazione dietro tutto ciò. Dae-soo e Woo-jin frequentavano da adolescenti lo stesso istituto scolastico quando un giorno, il nostro protagonista, vede Woo-jin e sua sorella appartati in una classe in atteggiamenti intimi. Incapace di trattenersi, Dae-soo riferì tutto ad un suo amico e, dopo qualche giorno, le voci dello strano rapporto fra fratello e sorella incominciano a fare il giro dell'istituto. La sorella, che si era convinta di essere incinta, si suicidò lanciandosi da un ponte, lasciando Woo-Jin nel dolore. Quest'ultimo una volta finito di raccontare la storia aggiunge un dettaglio ancora più raccapricciante. La figlia che tanto cercava, era in realtà la stessa Mido. Quest'ultima infatti era stata ipnotizzata a finché si innamorasse di Dae-soo, suo padre, e riuscendo quindi a far completare il piano diabolico a Woo-jin. In preda alla disperazione Dae-soo promette di essere quello che vuole per l'uomo ma lo implora di non rivelare mai la verità alla ragazza. In un impeto di disperazione arriva pure a tagliarsi la lingua stramazzando al suolo. Woo-jin fa un'ultima risata e si allontana uscendo dall'attico. Una volta in ascensore, tira fuori una pistola e si spara alla tempia. Il film si conclude con Dae-soo che osserva con occhi spenti un paesaggio innevato con accanto Mi-Do. Non si sa bene quanto sia passato ma a noi questo non importa. Rimane solo un'estrema sensazione di tristezza.

Old Boy come avete letto è un film crudele, violento e triste. In questa vicenda non esistono eroi né antagonisti quanto una serie di situazioni grottesche e molte volte inspiegabili. Riflettiamo però bene e cerchiamo di capire il film rispondendo ad alcune domande. Prima di tutto questo è il secondo film della cosiddetta trilogia della vendetta dove Park Chan-wook esplora questo tema con una minuzia incredibile. Di chi è in questo caso la vendetta? Ad una prima visione siamo ingannati nel pensare che sia Dae-soo a perseguire vendetta contro Woo-jin e, anche se alla fine, quest'ultimo rivela la verità noi siamo sempre dalla parte nel protagonista. Riflettiamo però attentamente e vediamo la cosa dal punto di vista del suo nemico.

Woo-jin prova qualcosa di più che un semplice affetto per la propria sorella e non sta a noi giudicare se questo sia giusto o sbagliato. Il desiderio che prova è anche carnale e il rifugiarsi fra il seno della sorella ci trasmette qualcosa che va al di là del semplice piacere carnale, qualcosa di più materno. Non sappiamo infatti la storia familiare di Woo-jin; magari aveva solo la sorella come punto di riferimento affettivo oppure no ma noi non potremo mai saperlo se non che, nel momento in cui muore la ragazza, qualcosa dentro il ragazzo va in pezzi, forse il cuore e forse anche la mente. Aspetterà anni prima di essere nelle condizioni giuste per poter mettere in pratica la sua vendetta contro l'uomo ritenuto colpevole di aver ucciso sua sorella. E' vero, Dae-soo materialmente non compie l'omicidio ma parla e molte volte la parola può uccidere. Ecco che la vendetta si compie in due parti. La prima è la reclusione di Dae-soo. Forse i quindici anni non sono a caso ma sono il periodo con cui Woo-jin ha dovuto avere a che fare prima della vendetta e la seconda è il rapporto che artificiosamente lo costringe con la figlia. Perché incesto non è solo fra fratello e sorella ma anche fra padre e figlia fino alla terza parte, completamente non voluta da Woo-jin dove il protagonista si taglia la lingua oramai consapevole che non quest'ultima non solo ha condannato sé ma anche Mido. Una volta che però Woo-jin ha ottenuto la sua vendetta decide di far calare il sipario sulla sua vita. Credo che quello che aveva tenuto in vita l'uomo fino ad ora non era altro che la vendetta ma una volta ottenuta il suo scopo di vita sia venuto meno. Era la vendetta incarnata, qualcosa che non poteva esistere più una volta nutrita. Woo-jin quindi era tutto ciò e non poteva più andare avanti, la sua stessa esistenza era stata costruita per quel momento. Durante la storia veniamo inoltre a sapere che l'uomo soffriva di problemi cardiaci. Non so se sia voluto o meno dal regista ma io vi ho letto un significato profondo. Il cuore è considerata la sede poetica dei nostri sentimenti e una sua malfunzione la possiamo imputare al continuo desiderio di vendetta maturato per anni e dal dolore provocato una volta morta la sorella .Per quanto riguarda Dae-soo possiamo dire che, come suggerito da Woo-jin, i due troveranno il modo di amarsi perchè in fin dei conti è quest'ultimo che importa realmente.

Park Chan-wook mette in piedi questa tragedia esistenziale e crudele con una regia, fotografia e montaggio perfetti. Il film ha un ritmo incredibile e non accenna mai a frenare. E' un continuo turbine di emozioni fino alla fine. Ci sono inquadrature degne da manuale del cinema e un piano sequenza che, per molti appassionati di cinema, è entrato di diritto nella storia di quest'ultimo. L'interpretazione degli attori è stellare e molte volte sembrerà di toccare questi personaggi da quanto sono sviluppati bene.

Old Boy è un film crudele, a tratti sadico ma anche di dotato di una profondità rara. Park Chan-wook ci consegna una storia destinata a rimanere impressa per sempre negli spettatori e firma uno dei capolavori del cinema coreano.

Un Pensiero su I'm a Cyborg, but that's ok di Park Chan-Wook (2006)

Il mondo di Park Chan.Wook è un mondo strano, grottesco e dalla violenza sconcertante. La sua trilogia della vendetta incarna perfettamente tutti questi aggettivi consegnandoci film dal sapore dolce amaro. Ad una prima impressione fa quindi un po' strano vedere Park Chan-Wook alle prese con una commedia romantica come I'm a Cyborg, but that's ok (I'm a Cyborg d'ora in avanti) in quanto il regista sembra allontanarsi dalla sua confort zone per consegnarci un'opera dai tratti diversi. In realtà, I'm a Cyborg è Park Chan-Wook al 100% sotto mentite spoglie.

Young-goon è una giovane ragazza che è cresciuta insieme alla nonna. Il rapporto fra i due è molto forte tanto che la ragazza soffrirà molto il giorno in cui la nonna, a causa della sua schizofrenia, verrà portata in un istituto mentale. Negli anni successivi la ragazza, mentre si trova sul posto di lavoro, si taglia le vene e vi infila dei cavi elettrici perché convinta di essere un cyborg. In realtà, questa convinzione è antecedente all'incidente ma di questo ne parlerà il film successivamente. Purtroppo però questo suo gesto la porta a finire a sua volta in un istituto mentale dove farà la conoscenza di Park Il-Soon, un cleptomane sociopatico che ha la paura di svanire. I due iniziano a instaurare un rapporto atipico che li porterà a vivere situazioni paradossali.

I'm a Cyborg si presenta apparentemente quindi come una commedia romantica leggera ma, come citato già all'inizio, in realtà questa è una maschera che il regista abilmente riesce a mettere al film. Durante infatti la prima parte l'opera si mostra diversa rispetto ai primi minuti. Incominciano a far capolino le riflessioni, i problemi esistenziali ed una forte dose di violenza. Sì, perché durante le sue allucinazioni, la protagonista immagina di fare stragi di dottori nell'istituto in quanto ritenuti da lei colpevoli di aver preso sua nonna. Ecco che dunque emerge, anche se sotto mentite spoglie, la violenza che caratterizza il regista. Vi saranno infatti momenti di puro esistenzialismo dove la protagonista si interrogherà sul suo scopo nella vita e successivamente come realizzarlo. Nel mentre il rapporto con Park Il-Soon si solidifica fino al momento in cui quest'ultimo aiuterà la ragazza a riprendere a mangiare in un modo assolutamente originale che non voglio svelare.

I'm a Cyborg riesce anche ad alternare momenti di ilarità come ad esempio le risse per futili motivi fra i pazienti a dolori ricordi che la protagonista ha della nonna. Perché se è vero che il film non dice in maniera esplicita cosa possa aver causato questa patologia nella ragazza è altresì vero che lo sussurra allo spettatore con scene molto ricercate. Prendiamo ad esempio le regole del perfetto cyborg che Young-goon segue; non avere compassione, non emozionarsi e non fantasticare sono solo alcune delle imposizioni che la protagonista fa su sé stessa. Queste regole non sono altro che il frutto di un adolescenza purtroppo malsana, vissuta in un ambiente dove non vi era una d'espressione. La madre sempre molto lontana dalla figlia - a causa dell'attività che possedeva - spingeva la figlia a non dire a nessuno che lei pensava di essere un cyborg. Ecco che quindi una normale fantasia da bambini, si trasforma in una nevrosi. Le regole citate poc'anzi sono infatti rappresentate nella sua mente con un libro di illustrazioni per bambini segno che il trauma è avvenuto in quel periodo. Risolutivo sarà la confessione che la ragazza farà alla dottoressa verso la fine del film. Per il medico infatti non c'era nessun problema ed aprirsi e, avere fiducia, è il primo passo verso la guarigione.

La guarigione che però intende questo film non è tanto la fine della nevrosi quanto accettare la natura di sé stessi - o di quello che pensiamo di essere - e di vivere nel bene e nel male la nostra vita. Il finale da questo punto di vista è quanto più di poetico Park Chan-Wook abbia scritto. Un arcobaleno appare dopo una tempesta e se con molta fantasia lo osserviamo bene ci ricorda un cavo elettrico che collega il cielo e la terra.

Alla fine del film rimarranno molte domande allo spettatore "i due ragazzi hanno trovato una felicità duratura?", "La protagonista riuscirà a "guarire"?" A noi però queste domande non ci dovrebbero interessare. Non importa aprire manuali di psicologia per comprendere che il messaggio del film è quello che in sordina viene ripetuto per tutta la pellicola "nel bene e nel male bisogna vivere".

Passando al lato tecnico cosa dire della regia di Park Chan-Wook? il regista come al solito dimostra di avere un occhio poetico incredibile, ogni scena non è mai fine a sé stessa ma comunica uno stato d'animo o veicola un messaggio da cogliere. Quando decide di zoomare, lo fa per accentuare la comicità di una situazione e quando decide di muovere a spalla la telecamera riesce sempre a stare dietro l'azione evitando di perdersi in inutili giri. La meravigliosa fotografia accentua la vena leggera ma importante dell'opera. Passiamo da dei toni accesi ma asettici come il rosso a dei delicati verdi veicolati da una grande scenografia. La messa in scena è ottima ed il montaggio, si prende i suoi tempi, rendendo il film lento ma godibile.

I'm a Cyborg è un film che tocca vette altissime. Temi come ad esempio la salute mentale e l'esistenzialismo umano sono trattati con il massimo rispetto e con quella vena ironica che non guasta mai per non appesantire l'argomento. Park Chan-Wook riesce ancora una volta a dare il meglio di sé con un'ottima regia dal sapore onirico e con una fotografia a dir poco fantastica. Una pellicola che consiglio di recuperare per riuscire ad apprezzare quanto di bello può fare il cinema. I'm a Cyborg fa star bene l'anima.

Un Pensiero su Ju-on di Takeshi Shimizu (2000)

L'horror giapponese si distingue principalmente da quello occidentale per le tematiche che affronta dagli elementi che possiede, unici nel suo genere. Quest'ultimo infatti attinge a piene mani alla mitologia del Sol Levante rappresentata da Yokai, scintoismo e sciamanesimo. Uno dei film più rappresentativi in questi tempi moderni è sicuramente Kwaidan di Masaki Kobayashi uscito nelle sale giapponesi nel 1964 oppure, se vogliamo prodotti più recenti, Ringu di Hideo Nakata  o Ju-On di Takashi Shimizu. Dato che di Ringu ho trattato ampiamente nelle settimane scorse, vorrei ora parlare di Ju-On e di come per me abbia contribuito a creare l'archetipo della casa infestata in salsa orientale.

Come già detto poco fa, Ju-On è stato girato da Takashi Shimizu. Uscito in Giappone nel 2000, il film è stato in grado di catturare l'immaginario collettivo giapponese ed a riscuotere un discreto successo tanto che la saga conta ad oggi numerosi remake e spin-of.

La storia di Ju-On è esplorata attraverso i punti di vista di sei personaggi che per motivi volontari o involontari si troveranno ad esplorare una casa maledetta dove sembra si sia consumata una violenta tragedia. Nella cultura giapponese infatti, chi muore in maniera violenta e rancorosa, finisce per non trapassare del tutto ma rimane ad infestare il luogo della sua dipartita per un tempo che a noi non è concesso sapere. Questo tipo di spettri vengono chiamati Onryo e sono spiriti vendicativi che uccidono indiscriminatamente i vivi. I protagonisti quindi si troveranno faccia a faccia con Kayako, uno di questi spettri, e suo figlio Toshio che sembra anche lui vittima di questo destino. Una storia quindi già dalle basi crudele e triste di cui è difficile pensare ad un epilogo felice. Man mano che scopriremo il destino riservato ai protagonisti, saremo anche testimoni di importanti retroscena circa l'origine della maledizione ma, per comprendere ciò, bisognerà fare molta attenzione dato che il film ha una linea temporale tutta sua. Fra un protagonista e l'altro potrebbero passare mesi oppure anni e, anche se apprezzo questo tipo di narrazione, devo dire che qui risulta un po' confusa. Escluso questo difetto reputo Ju-On un grande film di atmosfera. Se è vero che il montaggio è lento è altresì vero che possiede un'atmosfera unica nel suo genere. I movimenti di camera sono sempre ben dosati e creano la giusta tensione ma credo che il lavoro più grande lo faccia Takako Fuji, l'attrice che interpreta Kayako. Al tempo infatti oltre ad essere attrice e doppiatrice, era anche una ballerina ed una talentuosa contorsionista, qualità che gli ha permesso di rappresentare lo spettro in maniera inquietante. I suoi infatti sono movimenti fatti di scatti nervosi e pose innaturali. Vederla mentre scende le scale è quanto più di inquietante ma anche di affascinante che si possa osservare ed il trucco che possiede dona al tutto un aspetto caratteristico.

Ju-On è un film che ha dalla sua una grande atmosfera. La storia che racconta appassiona ma allo stesso tempo potrebbe rischiare di confondere lo spettatore più disattento. La performance di Takako Fuji (Kayako) è la caratteristica che però innalza la pellicola e senza ombra di dubbio ha contribuito ha creare nel corso del tempo la figura della donna maledetta che cerca vendetta nel mondo esterno.

Un pensiero su Ringu 0 di Norio Tsuruta (1999)

Un pensiero su Ringu 0 di Norio Tsuruta (1999)

La saga di Ringu ha sempre posto all'attenzione dello spettatore la misteriosa Sadako in modo sottile ed implicito. Molte opere orientali, a differenza di quelle occidentali, preferiscono infatti mediare messaggi e significati attraverso silenzi ed immagini che attingono al ricco folklore che l'oriente possiede.

Ringu non è mai stato spaventoso, splatter o disgustoso, al contrario ha sempre giocato con il mistero e la natura del non visibile. Alla fine infatti del primo capitolo della serie, molte sono le domande che rimangono senza risposta. Chi è Sadako? Da dove proviene? Perché ha deciso di incarnare una natura così vendicativa e distruttiva? Le risposte non sarebbero arrivate fino al capitolo di cui parlerò oggi, Ringu 0:Birthday.

Sadako durante una performance

La storia di Ringu 0 inizia circa trenta anni prima dagli  eventi accaduti nel primo Ringu. Sadako è una ragazza  che tenta di sfuggire ad un potere oscuro che ha dentro di lei e di cui non si sa dare nessuna spiegazione. Per fare ciò decide di trasferirsi a Tokyo ed unirsi ad una compagnia teatrale con cui spera di cominciare una vita per lo meno decente. Le cose sembrano andare bene fino a quando una persona proveniente dal suo passato non compare, mandando in frantumi il delicato equilibrio raggiunto.

Sadako sta per essere gettata nel pozzo

La regia di Tsuruta è pulita e quadrata, con una fotografia ed un montaggio molto buono. Il ritmo del film infatti, pur non essendo veloce, scorre bene. I movimenti di camera sono dolci e gentili e la macchina da presa si sposta sempre molto lentamente. Non ci sono virtuosismi sul fronte tecnico ma ci troviamo di fronte ad un regista che fa bene il suo lavoro.

Per quanto riguarda la recitazione, spicca senza ombra di dubbio Yukie Nakama che riesce a creare una Sadako convincente con cui gli spettatori proveranno presto empatia . In questo film infatti Sadako viene, per motivi che preferirei non esporre in questo articolo, umanizzata e le risposte alle domande che ho esposto poco fa trovano finalmente risposta. Rispondere a quest'ultime ha richiesto però di cambiare natura alla serie. Ringu 0 infatti prima di essere un horror, è un film drammatico, un thriller a tratti anche esistenziale. La fuga di Sadako da un passato doloroso, il suo perenne tentativo di controllare una forza che non capisce, le continue ingiurie a cui è sottoposta. Tutto ciò infonde alla pellicola una tristezza ed una profondità che quasi non ci si aspetta. Credo che compiere una scelta del genere sia stata importante per dare ulteriore spessore alla serie. Alla domanda "Questo passato così drammatico di Sadako non rischia di creare una dissonanza con i primi due film?" rispondo con un sicuro "no". Anzi, penso che rivederli dopo aver visionato questo capitolo, ce li faccia godere di più. 

Sadako viene infastidita con una fotocamera

Ringu 0 è un film che non può mancare agli amanti del thriller e del mistero. Gli estimatori di Ringu troveranno senza ombra di dubbio interessante questo tassello che compone il pittoresco mosaico dell'universo di Ringu. Una regia solida ed una storia straziante completano il tutto offrendo allo spettatore un'esperienza godibile. Se vi aspettate grandi spaventi o un semplice film horror, passate oltre perché qui si parla della natura dell'uomo, delle azioni di quest'ultimo e di altri temi che difficilmente possiamo incontrare nel cinema occidentale che mira allo spavento semplice. 

Un pensiero su Ringu 2 (1999) di Hideo Nakata

 Un pensiero su Ringu 2 (1999) di Hideo Nakata

Dopo il fallimento di Rasen, la produzione corse ai ripari producendo in fretta questo nuovo secondo capitolo nella speranza questa volta di fare centro. Per l'occasione venne richiamato alla regia Hideo Nakata e, in meno di un'anno, Ringu 2 arrivò nelle sale giapponesi.

La trama inizia nuovamente dove si era interrotto il primo capitolo. Mai Takano, cerca la ex moglie ed il figlio di Ryuji Takayama (l'uomo a cui faceva da assistente) per comprendere le motivazione della morte improvvisa di quest'ultimo. Una volta trovata Reiko e suo figlio Yoichi, instaura col bambino un rapporto forte ed importante ed insieme i due affronteranno un viaggio per mettere fine definitivamente alla maledizione di Sadako.

Tornato nuovamente alla regia Hideo Nakata mostra nuovamente le finezze che hanno caratterizzato il primo capitolo. Silenzi, montaggi ed effetti speciali sono tutti gestiti bene e, anche se non c'è un vero e proprio salto di qualità nella regia comprendiamo come il regista conosca bene il genere e sappia trattarlo. A differenza di Rasen infatti, il thriller e l'horror si mescolano alla perfezione creando un'atmosfera ben riuscita purtroppo però, questo secondo capitolo non è esente dai difetti. Sul lato narrativo infatti le domande rimangono molte, una fra tutte "perché improvvisamente ogni personaggio di questa pellicola sembra possedere poteri sovrannaturali?" Mai Takano mostra in questo capitolo delle capacità simili a quelle del professore Takayama; Un' aggiunta che reputo dell'ultimo momento dato che nel primo capitolo non si era minimamente accennato a ciò. Come se non bastasse pure Yoichi, che è il vero protagonista di questo film, possiede poteri psichici. In entrambi i casi non vengono date spiegazioni sufficienti e lo spettatore si convince alla fine che tutti quelli che hanno avuto a che fare con Sadako sviluppano tali poteri. Se aggiungiamo a ciò che pure Masami Kurahashi (l'amica della prima vittima di Ringu) possiede energie simili, ne concludiamo che il film ha premuto troppo su questo aspetto rendendo il paranormale alla portata di tutti andando a sminuire una caratteristica che solo Sadako avrebbe dovuto possedere. 

Un altro problema riguarda l'origine della maledizione in cassetta. Da nastro maledetto, unico nel suo genere, diventa alla portata di tutti. Viene affermato infatti che chiunque potrebbe ritrovarsi nella propria videoteca una copia del nastro rendendo quindi questa maledizione troppo dispersiva per essere gestita anche se, come afferma la ragazza che lo rivela, i ragazzi continuano a copiare e passarsi la cassetta in continuazione. Non ho molto apprezzato quest'ultima dinamica introdotta in quanto mi sembra abbastanza irreale. Possibile fra tutte queste persone, non ce ne sia stata almeno una scettica che poi successivamente sia morta? Davvero tutti credono immediatamente alla storia del video? Mi sembra un po' troppo azzardato, evidentemente gli sceneggiatori volevano rafforzare la leggenda urbana di Sadako nella pellicola non facendo i conti però con gli esiti che sarebbero potuti accadere.

Terzo ed ultimo problema riguarda la natura stessa della maledizione che ora assume un ruolo diverso. Infatti non è il video che uccide ma sembra che sia una sorta di energia negativa che rimane nell'individuo una volta che questo ha visionato il video. Ishi Kawajiri, uno dei professori dell'università dove lavorava Takayama, sviluppa un metodo per liberare le persone come Yoichi da eventuali influssi malefici. Una specie di esorcismo tecnologico. Se da un punto di vista narrativo poteva anche interessare, dal lato pratico quest'ultimo argomento è trattato per troppo tempo rischiando di annoiare lo spettatore fra esperimenti e dimostrazioni varie. Certo, siamo ben lontani dal Virus di Rasen - una delle cose più criticate del film - ma rimane comunque un elemento che contribuisce a rendere più "terrena" la forza di Sadako

Ringu 2 è un secondo capitolo che riesce a malapena a reggersi sulle sue gambe e sembra si regga sulla fama del primo capitolo. Certo, è un seguito, e come tale è giusto che riprenda molte tematiche e personaggi ma la pellicola non approfondisce in maniera soddisfacente i personaggi del primo capitolo. Se a ciò aggiungiamo una recitazione non proprio esaltante, ci troviamo di fronte ad una pellicola che esce a malapena dalla mediocrità. Consigliato a chi è amante del genere e per chi è curioso come apparentemente Sadako venga sconfitta.

Un pensiero su Rasen (1998) di Joji Lida, il sequel perduto di Ringu

 Un pensiero su Rasen (1998) di Joji Lida, il sequel perduto di Ringu

Prima di parlare di Ringu 2 - seguito oramai ufficiale del primo capitolo - è bene parlare di Rasen in modo tale da dare al lettore un contesto chiarificatore di cui potrebbe necessitare se volesse recuperare la quadrilogia di Ringu.

Rasen inizialmente nasce come sequel diretto a Ringu, non a caso è stato girato e distribuito nelle sale nello stesso periodo dell'opera prima ma ha un problema. Nonostante attingesse all'opera di Koji Suzuki, si rivelò un completo fiasco e questo portò la produzione a preparare in fretta e furia un altro secondo capitolo. I motivi di tale insuccesso sono molti e cercherò di evidenziarli in maniera chiara nell'articolo ma prima, un breve incipit della trama.

Dopo gli eventi accaduti nel primo film, il corpo del professore Ryuji Takayama viene sottoposto ad una autopsia da uno dei suoi amici, il patologo Mitsuo Ando il quale scopre un messaggio cifrato all'interno del suo stomaco. Reiko, la moglie del professore e suo figlio Yoichi risultano invece vittima di un incidente stradale misterioso. Poco tempo dopo il patologo viene a scoprire della maledizione della cassetta e, spinto da curiosità, decide di visionarne una copia. 

La regia di Rasen, pur essendo basilare come quella di Hideo Nakata, non riesce comunque a veicolare nessun tipo di messaggio. Non vi è nessuna finezza tecnica né costruzione quadrata; Alla fine del film dubiterete persino di aver visto un horror o un thriller dato che i due generi non sono minimamente presenti nella pellicola. Durante la pellicola verranno introdotti elementi che messi insieme creeranno un confusionario puzzle ma soprattutto tenderanno a decostruire il concetto di maledizione del primo capitolo sostituendolo con elementi più terreni. La rinascita carnale di Sadako e la sua identità androgina potevano anche essere elementi interessanti su cui fondare la pellicola ma sono tutti trattati in maniera troppo superficiale e con una scrittura veramente insufficiente. Proprio a causa di quest'ultima infatti il messaggio finale non arriva completamente allo spettatore o, se lo fa, lo lascia ancora di più nella confusione. Infine per quanto riguarda gli attori devo dire che non ricordo nessuna interpretazione memorabile anzi molte volte mi sembrano molto sottotono.

Rasen è un film che purtroppo si fa carico di un' eredità troppo pesante. Da qualunque parte lo si guardi non risulta minimamente sufficiente ad intrattenere lo spettatore. Una scrittura completamente confusa, unita ad una regia veramente scadente, lo rendono purtroppo un prodotto evitabile. Consigliato solo a chi voglia recuperare proprio tutto dell'universo di Ringu, gli altri possono tranquillamente passare oltre.

Un pensiero su Ringu (1998) di Hideo Nakata

Un pensiero su Ringu (1998)

Chi legge questo blog conosce bene la mia passione per il cinema orientale, tanto da dedicargli una sezione apposita per trattare tali opere. Era quindi questione di tempo prima che trovassi il tempo di visionare e scrivere un articolo che parlasse di Ringu, thriller/horror del 1998 diretto da Hideo Nakata, tratto dall'omonima opera cartacea di Koji Suzuki.

Reiko Asakawa è una giornalista che sta indagando sulla morte apparentemente inspiegabile di sua nipote e di alcuni ragazzi che pare essere stati vittima di una misteriosa leggenda urbana riguardante una videocassetta. Pare infatti, che chiunque guardi il contenuto di quest'ultima, sette giorni dopo morirà inspiegabilmente. Dopo aver visionato il video insieme al suo ex marito Ryuji Takanama, decide di trovare un modo per spezzare definitivamente la maledizione. Il tempo è poco e ad aumentare l'urgenza del tutto vi è anche il fatto che suo figlio, Yoichi Asakawa, ha visto la videocassetta.

Prima di addentrarci nell'analisi del film, parliamo del suo regista. Hideo Nakata fa il suo debutto nel 1992 con "Honto ni atta kowai hanashi: Jushiryou", una raccolta di tre corti che parlano di tematiche soprannaturali. Quattro anni dopo, nel 1996, dirigerà "Don't Look Up" dove incominciamo a vedere già una versione embrionale di Sadako ovvero della figura folkloristica giapponese chiamata "Yurei" ma di questo ne parleremo dopo. Dopo una breve pausa nel 1997- dove collabora alla realizzazione di "Gakkô no kaidan F"- è la volta, l'anno dopo, del film che lo renderà famoso ovvero "Ringu". Abbiamo quindi un regista che ha lavorato per molti anni con queste tematiche e conosce bene come gestire queste figure folkloristiche.

In Ringu osserviamo una regia minimalista, quasi da serie TV, ma non priva di una quadratura generale. Le poche volte che appare Sadako non sono mai per spaventare lo spettatore ma per metterlo a disagio. Pochi movimenti di camera, centratura del demone nell'inquadratura ed una performance ben riuscita di Rie Ino'o (l'attrice che interpreta Sadako), riescono nell'intento di trasmettere l'ansia necessaria affinché il tutto funzioni. Solo una volta vediamo un dettaglio di Sadako ed è terrificante. Per il resto della pellicola Nakata preferisce concentrarsi su inquadrature a mezza figura facendo "respirare" l'attore ma evitando di rinunciare alla scenografia costruitagli attorno. Grazie a ciò vi è una costante sensazione di oppressione e di urgenza perfettamente in linea con la storia narrata dalla pellicola. Chiarito che dal punto di vista registico il film è ben fatto torniamo alla storia e rispondiamo ad alcune domande.

Prima di esplorare ulteriormente il film chiariamo subito cosa rappresenta Sadako e che tipo di spirito giapponese rappresenti. Questo perché molte volte alcune azioni dei protagonisti ci potranno sembrare strane. Una delle domande che può farsi lo spettatore è: perché i due protagonisti vogliono a tutti i costi trovare il pozzo dove pare essere stata uccisa la ragazza? La risposta è semplice: lo Yurei è lo spirito di una persona che in vita è stata vittima di un omicidio o di un suicidio. Non trovando pace nel mondo degli spiriti, ecco che si trasforma in uno spirito vendicativo portatore di odio e rancore. Di solito queste vittime, a causa della natura della loro morte, non hanno ricevuto nessun tipo di rituale per prepararle all'aldilà. Ecco che quindi i protagonisti, trovando il cadavere di Sadako, sperano che offrendogli una degna sepoltura possano porre fine a tutto ciò. I protagonisti però vengono ingannati perché in realtà pare che allo spirito non interessi tale questione infatti con la morte di Ryuji Takanama, Reiko comprende che il motivo per cui lei è sopravvissuto debba essere un altro. Alla fine della pellicola la protagonista si accorge che lei si è salvata solamente perché ha fatto una copia del filmato e l'ha fatta visionare successivamente all'ex marito. Questo infatti è l'unico modo per scampare da una maledizione che apparentemente non ha mai fine. Un cerchio di dannazione eterno.

Ringu è un'opera importante che è riuscita a sdoganare un certo tipo di horror giapponese. Quello che infatti colpisce oltre alla trama ed a Sadako, è la mancanza di sangue sostituito invece da volti contorti e da un'atmosfera quasi asfissiante. Un film che ha gettato le basi e che è importante per chiunque voglia comprendere l'horror giapponese.

Un pensiero su Fuochi d'Artificio in Pieno Giorno di Diao Yinan

Fuochi d'Artificio in Pieno Giorno

AVVERTENZA: Questa analisi potrebbe contenere spoiler sulla storia

Fuochi d'artificio in pieno giorno, diretto da Diao Yinan - regista che successivamente verrà conosciuto con il più famoso "il lago delle oche selvatiche"- è un thriller con tinte noir che narra una storia di riscatto e redenzione attraverso la vita privata di una donna e di un uomo.

In diverse stabilimenti di carbone della provincia di heilongjiang vengono ritrovati dei resti umani. Il poliziotto Zhang Zili, insieme ad alcuni colleghi, trova una pista e decide di indagare. Purtroppo però i poliziotti durante un interrogatorio in un locale vengono coinvolti in uno scontro a fuoco dove perdono la vita ma il nostro protagonista è l'unico superstite. Passano cinque anni e troviamo quest'ultimo che lavora come guardia di sicurezza ma è un uomo oramai alla deriva dove l'alcool non fa altro che aiutarlo ad annebbiare i dolorosi ricordi.

La speranza di riscatto si innesca quando un suo ex-collega, in maniera del tutto fortuita ,gli rivela che quegli omicidi stanno ricominciando e che l'unico punto di collegamento fra i vari casi sembra che sia una donna chiamata Wu Zhizhen. Zhang inizia quindi un'indagine privata che lo porterà ad esplorare gli oscuri drammi di una donna.

Fuochi d'Artificio in Pieno Giorno è come già detto un thriller dalle tinte noir dove protagonista non è tanto la storia ma i legami e le psicologie dei personaggi. Quest'ultimi infatti hanno una profondità che solo in determinate opere è possibile trovare. Le inquadrature ed il montaggio sono ottime ed alcune scene sono costruite in modo non soltanto per essere propedeutiche alla storia ma anche per veicolare delle sensazioni. Nei primi minuti vediamo ad esempio Zhang mentre indaga e, accidentalmente, fa rotolare una bottiglia di alcool giù per le scale. Successivamente capiamo che il regista voleva comunicarci con quella scena di piccoli secondi che da lì a breve il protagonista avrebbe "toccato il fondo" a causa della dipendenza che dopo svilupperà. Un'altra scena ancora - precisamente quella finale- ci mostra dei fuochi d'artificio sparati in pieno giorno non soltanto come "tributo" al titolo del film ma anche come immagine significativa di quanto, se pur belli, i fuochi d'artificio sparati durante le ore diurne non soltanto rischiano di essere pericolosi ma assumono anche un aspetto quasi minaccioso. Il fumo di quest'ultimi si confonde infatti con le nuvole, oscurando ulteriormente un cielo plumbeo.

Il film vive di questi momenti preziosi e fino alla fine non accenna a rinunciare all'ottima fotografia per veicolare i vari stati d'animo dei protagonisti. Molte volte ci saranno infatti illuminazioni tetre, altre volte prive di colore mentre altre ancora l'illuminazione sarà talmente artificiosa da far sembrare il tutto come uscito da sogno.

La fotografia quindi, come già detto, rimane sempre su livelli eccellenti ed è un piacere rimanerne incantati.

Arrivati alla fine e scoperta la verità, un montaggio alternato dal sapore amaro ci farà scoprire il destino dei due protagonisti. Zhang è riuscito a tornare in polizia, ripulendo il suo nome e la sua carriera mentre la donna andrà in prigione oramai avvilita dal pensiero che suo marito ha sacrificato tutto per niente.

La pellicola quindi ci invita a riflettere non soltanto sulla vita di un assassino e di un poliziotto ma anche di quella di una complice che, seppur silenziosamente, ha dovuto sopportare una vita fatta di privazione e di solitudine. Un film magistrale che andrebbe visto e rivisto per cogliere tutte le sfumature di un regista che, con questa sua terza opera, si conferma un ottimo registra dalla spiccata sensibilità su tematiche che molto spesso i film ignorano deliberatamente.

Un pensiero su Two Sisters di Kim Ji-woon

UN PENSIERO SU TWO SISTER DI KIM JI-WOON

 

Uscito nel 2003, Two Sister (장화, 홍련^?, Janghwa, Hongryeon) di Kim Ji-woon, riesce nella difficile impresa di descrivere molti temi delicati. Famiglie disfunzionali, salute mentale, senso di dovere e responsabilità; il regista riesce a veicolare queste tematiche importanti con grazia e delicatezza attraverso superbe inquadrature e scelte di montaggio davvero ottime. Arrivato alla mia terza visione, mi sento abbastanza sicuro per poterne parlare.

Two Sister narra la storia di due gemelle che apparentemente vengono perseguitate da una matrigna senza scrupoli. Inoltre, nella casa dove vivono con lei ed il loro padre, sembrano manifestarsi delle strane presenze. Questo è in breve la sinossi del film che a mio avviso non gli rende minimamente giustizia. Dato che per parlarne bene sarebbe meglio capire fin da subito la storia del film, andiamo dritti al punto e spieghiamo cosa è successo realmente nella pellicola.

Spiegazione del film

La madre delle gemelle aveva disturbi psichiatrici e richiedeva continue cure mediche. Quest'ultime gli venivano somministrate da Eun-joo- infermiera di un istituto psichiatrico- che, dopo una breve permanenza in casa, intraprese una relazione con il marito della malata. Oramai stanca di sopportare la situazione, la moglie tentò di togliersi la vita impiccandosi dentro all'armadio. Nel tentativo di aiutare la madre, Soo-yeon perse la vita schiacciata dal peso del mobile cascatogli addosso. Eun-joo avendo visto la ragazza in pericolo, scende con molta tranquillità e, una volta incontrata Soo-mi , invece di chiedere aiuto fa finta di nulla.

Ricoverata in un istituto psichiatrico a causa dello shock, Soo-mi venne in seguito rilasciata dalla struttura. La ragazza andrà quindi a stare dal padre non accettando però la natura della relazione che esso aveva ed ha tuttora con la donna e non perdendo occasione per manifestare il suo disprezzo verso di lui. Il disturbo dissociativo di cui soffre, la porta spesso ad avere allucinazioni ed ad "impersonare" a volte la matrigna mentre a volte la sorella. Per tutto il tempo il padre non saprà come interagire con la figlia e sopporterà le sue innumerevoli malefatte fino a quando, in preda alla disperazione, non gli ricorderà che sua sorella Soo-yoen in realtà è morta anni prima a causa di quel terribile incidente. Da quel punto in poi, a causa della presa di coscienza della protagonista, non vedremo più la sorella su schermo ma ne udiremo soltanto la voce e da lì a poco la pellicola spiegherà tramite flashback le cose qua descritte. Il film si conclude col padre - oramai incapace di gestire sua figlia - che chiama la sua compagna per farsi aiutare ed insieme porteranno nuovamente Soo-mi in clinica. Nonostante sembra assorta in un mondo a parte, la ragazza, afferra vigorosamente il braccio della matrigna, facendo capire allo spettatore che in realtà lei potrà dimenticare tutto, persino sua sorella, ma non dimenticherà mai lei e di come, entrando nella sua vita, gliela abbia rovinata

Analisi

Two Sister è un film che appare ingiusto, un film dove le colpe degli adulti ricadono sui propri figli. A pagarne il prezzo più alto è infatti So-yen che paga con la propria vita il tentativo di salvare sua madre, vittima di un marito deprecabile che ha preferito fuggire dalla relazione nel peggiore dei modi ed ha costretto la moglie al suicidio; in seguito, Soo-mi pagherà con la propria salute mentale tutto quello che è accaduto alla sua famiglia e la sfumatura horror che possiede il titolo non fa che accentuare la sofferenza della protagonista, intrappolata in un mondo rancoroso, cupo e solitario.

Le gemelle fischiettano il motivo della madre

Durante il film è interessante notare come Soo-mi proietta la sua natura sottomessa e compassionevole sulla sorella. L'esempio perfetto è quando Soo-mi propone di uccidere gli uccellini della matrigna mentre So-yeon consiglia di liberarli oppure quando è quest'ultima a subire le punizioni corporee della matrigna. So-yeon inoltre parla poco ed è facilmente impressionabile mentre So-mi è molto più forte e sicura. Quella che vediamo quindi nel film non è tanto la sorella ma, come detto prima, una proiezione psicologica del carattere della protagonista.

Eun-joo, la matrigna

La necessità invece che ha Soo-mi di impersonare la matrigna deriva dal ricordo del dolore che quest'ultima le ha provocato e che in qualche modo la reputa la causa di tutti i suoi mali. Non essendo fisicamente lì la matrigna, la protagonista ha bisogno di un riscontro visivo con cui poter interagire e dire tutto quello che pensa di lei. Se è vero che la matrigna nella psiche della ragazza è rappresentata in maniera ben peggiore di come sia in realtà, è anche vero che forse c'è molta più verità di quanto si pensi. La matrigna infatti avrebbe potuto salvare la ragazza e sua madre ma decide di non farlo. Per molti questo si tratta di una ripicca nei confronti di una risposta datagli da Soo-mi mentre per me la verità è che la donna abbia approfittato della situazione per farsi strada all'interno della famiglia. Se la vediamo così, il comportamento di quest'ultima è terribile e la proiezione che ha Soo-mi rappresenta forse quello che è realmente, una donna senza scrupoli.

 Two Sister è un film angosciante che mette in scena una storia apparentemente horror per descrivere situazioni che possono accadere in qualsiasi nucleo familiare. Kim Ji-woon non lascia nulla al caso, ogni inquadratura è studiata, ogni scena costruita e le musiche che accompagnano il tutto hanno quel sapore nostalgico che tanto amiamo quando vediamo opere del genere.

Un pensiero su Still Life di Jia Zhangke

Produrre una pellicola con un certo valore artistico non è mai semplice. I motivi possono essere molteplici, da una semplice ricezione negativa del pubblico a vere e proprie opere di ostracismo da parte dei governo locali che non vogliono lasciare che un determinata realtà venga esposta al pubblico. Jia Zhangke è uno dei registi che molte volte ha avuto problemi in patria per i suoi film perché con i suoi temi molto delicati e controversi non ha sempre ricevuto il benestare del governo cinese. Quindi, in questa situazione delicata, il regista si è trovato molte volte in posizioni scomode e difficili. Oggi vorrei parlare di "Still Life" -film diretto da lui nel 2006 e presentato a sorpresa al Festival di Venezia vincendo il Leone d'Oro -che analizza uno spaccato di realtà cinese tanto interessante quanto drammatica.

Han Sanming è un minatore che arriva a Fengjie per ritrovare la moglie e la figlia oramai scomparse da sedici anni. Una volta arrivato scopre che le donne non vivono più lì e allora, cercando il fratello della sua ex-moglie chiede informazioni. Non riuscendo ad ottenere nulla, si fa assumere come demolitore per mantenersi ed intanto aspettare un'eventuale ritorno della moglie che si scopre che in passato era fuggita nel suo luogo natio dopo essere stata comprata dal marito. Nello stesso luogo una donna, Zhao Tao, cerca il marito scomparso da due anni e, una volta trovato, scopre che quest'ultimo ha voltato completamente pagina. Una volta compreso ciò si allontana da quest'ultimo e, una volta in riva al fiume, gli chiede il divorzio.

Sanming osserva le rovine di Fengjie, passato e futuro si mescolano

Queste due storie, apparentemente slegate fra di loro hanno in realtà un elemento riscontrabile nella realtà che le unisce, il luogo. Completata nel Maggio del 2006,  la diga delle tre gole costruita nei pressi di Fengjie ha tolto case a milioni di abitanti sommergendo gran parte della città. Un progetto che ha creato una situazione sociale complicata. Mentre le persone venivano piano piano evacuate, parti degli edifici venivano demoliti. Ecco quindi che le riprese di Zhangke assumono un valore simbolico. Le sue panoramiche delicate e lente sottolineano il declino inesorabile di un passato che piano piano sta scomparendo ma che vuole in qualche modo resistere. La scelta tanto cara al cinema neorealista di Pasolini di scegliere attori presi dalla strada contribuisce a dare un'enorme forza alla pellicola. Il ritorno di Sanming è il ritorno di uomo che ad un certo punto non ha accettato il passato e che, dopo sedici anni, ha deciso di combatterlo abbattendo quegli edifici oramai fatiscenti che facevano parte della sua vita. Zhao Tao invece, durante tutta la pellicola, la vediamo abbeverarsi da ogni tipo di fonte che lei trova. In qualche modo lei accetta l'acqua - qui rappresentata come elemento di cambiamento - e vuole tagliare definitivamente i legami col proprio passato. Abbiamo quindi due tipi differenti di persone, una che resiste dolorosamente allo scorrere del tempo mentre l'altra che ne accetta la sua natura.

Sanming si confronta con la moglie appena ritrovata

Mentre osserviamo la sua storia conosceremo anche anche Zhou Lin, giovane lavoratore che diventerà amico di Sanming, Il suo omicidio causato da un dissapore fra locali è ben rappresentato tramite il tentativo di occultarne il cadavere. Quest'ultimo infatti, dopo essere stato ucciso, viene sepolto sotto un cumolo di macerie, le stesse che Sanming aveva tolto, le stesse che rappresentavano un passato contro cui è difficile fare i conti. Ecco che quindi il simbolismo della pellicola torna prepotentemente a farsi sentire. Il corpo di quel ragazzo così giovane pieno di sogni, desideri e tanta voglia di riscatto viene seppellito silenziosamente sotto le macerie di Fengjie. L'unica figura giovanile del film che non ha un passato con cui fare i conti è anche quella che paga il prezzo più alto. Alla fine del film possiamo notare come quest'ultimo non sia un capolavoro di tecnica ma quanto di espressività. Il messaggio che lancia Zhangke ed il modo in cui lo consegna allo spettatore è di una crudeltà disarmante, un messaggio di speranza ma anche di resa. Tutto narrato attraverso lo sguardo delicato del regista.

 

Un pensiero su Violent Cop di Takeshi Kitano

La strada che conduce a Takeshi Kitano

Takeshi Kitano è uno di quegli autori che scopri per caso o per consiglio di un amico. Chi è un esperto di cinema lo conoscerà senz'altro ma chi, come me, è un semplice appassionato imbattersi in Kitano non è per nulla scontato. Se a ciò aggiungiamo pure la non facile lettura di alcune sue opere, ecco che senza una guida rischiamo di non goderci appieno uno dei registi più importanti degli ultimi trent'anni.

Dopo aver visto quasi per caso "Outrage" ed "Outrage Beyond", decido di interessarmi alla filmografia del regista e riesco a recuperare una delle sue opere più importanti, "Sonatine". L'impatto è estremamente forte ma questa è un'altra storia, per un altro articolo. Successivamente decido di acquistare qualche suo film e trovo su Amazon un cofanetto contenente Violent Cop, Boiling Point e Sonatine. Nonostante quest'ultimo l'avessi già visto, decido di acquistarlo per recuperare i due film mancanti. Il primo film che vedo appena arrivato il cofanetto è quello di cui parlerò oggi , Violent Cop.

La strada per la realizzazione

Pur essendo la prima opera che vede Kitano come regista, è bene chiarire che in realtà quest'ultimo è subentrato in qualità di sostituto. Takeshi ricorderà così quel periodo "[...]Fukusaku[Kinji] rifiutò dicendo che non poteva farlo nei tempi previsti, Okuyama venne a chiedermi se mi andava di farlo per conto mio. Così venne stabilito che avrei fatto il film, ma gli sviluppi successivi sono confusi". Per quanto riguarda la sceneggiatura, il regista spiegherà come se la sia trovata già pronta ma che in realtà non la gradisse particolarmente "[...]Era una sceneggiatura tremenda. Dentro c'era di tutto[...].Sembrava un adattamento di Rambo[...]così ho fatto rivedere un po' il copione."

Siamo quindi di fronte ad un Kitano che già aveva le idee chiare. Infatti, come si evince dalle parole sopracitate, non voleva contribuire a creare un cinema fine a sé stesso ma desiderava fare qualcosa di più impegnato nonostante una sceneggiatura molto semplice.

Il cinema di "Beat" Takeshi

Azuma viene inquadrato in questa maniera per dare la sensazione a chi ha davanti di non avere via d'uscita

Kitano, come vedremo in seguito, fa un cinema molto minimale. Pochi sono i piani o campi che utilizza per narrare gli eventi che accadono nei suoi film. Se prendiamo ad esempio la famosa scena sulla spiaggia di "Sonatine", dove gli Yakuza giocano alla roulette russa, contiamo appena venti inquadrature o poco più. L'autore piega infatti alla sua volontà ed alle ispirazioni momentanee, le regole del cinema. Molte volte i suoi film non partono da una sceneggiatura o da una serie di idee ponderate bensì da qualche intuizione istantanea. Prendendo ancora una volta Sonatine come esempio, il regista parla di come ha sviluppato il film partendo da quattro immagini che gli erano balenate in mente. Violent Cop, nonostante sia la sua prima opera, ha già il seme di questo cinema che accompagnerà Kitano per gran parte della sua carriera. 

Altro interesse del regista è quello di portare su schermo una certa naturalezza. Prendiamo ad esempio due sue dichiarazioni "Al contrario di quanto si possa credere, è difficile camminare e basta.[...]E' un'azione veramente inconsapevole, ma se chiedi ad un attore di camminare davanti ad una cinepresa, è come se per la prima volta fosse consapevole[...]" E ancora, alla domanda di quale fosse la prima immagine balenata in mente per il film, la risposta del regista lascia spiazzati "io penso che quando cammina, non può che camminare verso la morte, no?" Kitano non chiede conferma quanto sottolinea l'ovvietà della camminata, come a voler rimarcare quest'ultima non come semplice movimento da mettere in scena ma proprio funzionale alla narrazione ed alla progressione introspettiva del personaggio. 

Azuma attraversa il ponte che lo porterà alla centrale

Il poliziotto violento

Una volta delineata in maniera piuttosto grossolana la visione di Takeshi Kitano, incominciamo a parlare della storia.Azuma è un poliziotto dai metodi piuttosto violenti e sbrigativi. Mentre indaga su un traffico di droga scoprirà che il mondo che conosceva è ben peggiore di quanto potesse immaginarsi. Corruzione e violenza domineranno gran parte la storia. Nonostante alcune pause introspettive e poetiche dove sembra dominare la calma e la leggerezza, il viaggio che intraprende Azuma lo porterà inevitabilmente ad una tragedia quasi annunciata. Abituati come siamo ad un certo tipo di cinema americano siamo per una buona prima parte quasi insensibili di fronte alla violenza perpetuata dall'uomo ai danni di terzi. Le varie pellicole che fanno parte del cinema citato poc'anzi arrivano quasi sempre a giustificare l'azione dei protagonisti mentre qui, l'evoluzione della storia, ad un certo punto ci porta a domandarci se la violenza che utilizza Azuma non sia in realtà una scusa per la natura sadica del protagonista e di quanto dunque non sia giustificabile. Ci domandiamo infatti ad un certo punto se Azuma non sfrutti la sua posizione per sfogare un suo stato psicologico interiore o se, in fin dei conti, il suo è l'unico mezzo per gestire quel quartiere di Tokyo tanto affascinante quanto violento.Eccoci quindi arrivati ad un punto importante. La violenza del poliziotto fa riflettere e porta lo spettatore a porsi altre domande. Perchè Azuma non riesce in qualche modo ad interrompere la spirale di violenza in cui lui stesso cade durante la storia? In fin dei conti, prima di arrivare al cosiddetto "punto di non ritorno", di tempo ne ha abbastanza. Kitano, nonostante diriga una storia molto classica, fa percepire la violenza come una creatura dotata di vita propria, che ha preso possesso di quella parte della città e che ingloba tutti indistintamente.

Non c'è un buono od un cattivo bensì solo vittime che siano dirette o indirette.

considerazioni finali

L'opera prima di Takeshi Kitano convince, ammalia, stordisce. La sensazione è di trovarsi fin da subito in una spirale di violenza senza via d'uscita dove non vi è redenzione né salvezza. La prova attoriale del regista è incredibile riuscendo a portare in scena un personaggio triste, decaduto ma per niente stereotipato ed il finale, anche se può essere prevedibile, riesce ad avere un impatto fortissimo grazie anche all'inserimento di particolari elementi che rendono la sequenza degna di essere studiata e capita. Kitano dimostra inoltre di avere un occhio cinematografico importante che gli fa scegliere quasi sempre il piano o il campo giusto. Violent Cop in sintesi è un'opera importante sia per il genere sia per l'originalità in cui viene messo in scena. Senza ombra di dubbio un grande film.